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Stars from old movies, where are they today?

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BAYWATCH

PRETTY WOMAN

My fair lady

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My Fair Lady is a 1964 American musical drama film adapted from the 1956 Lerner and Loewe stage musical based on George Bernard Shaw‘s 1913 stage play Pygmalion. With a screenplay by Alan Jay Lerner and directed by George Cukor, the film depicts a poor Cockney flower-seller named Eliza Doolittle who overhears an arrogant phonetics professor, Henry Higgins, as he casually wagers that he could teach her to speak “proper” English, thereby making her presentable in the high society of Edwardian London.

My fair Lady

The film stars Audrey Hepburn as Eliza Doolittle and Rex Harrison as Henry Higgins, with Stanley Holloway, Gladys Cooper and Wilfrid Hyde-White in supporting roles. A critical and commercial success, it became the second highest-grossing film of 1964 and won eight Academy Awards, including Best Picture, Best Actor, and Best Director. In 1998, the American Film Institute named it the 91st greatest American film of all time. In 2006 it was ranked eighth in the AFI’s Greatest Movie Musicals list.

In 2018, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being “culturally, historically, or aesthetically significant.”

In London, Professor Henry Higgins, a scholar of phonetics, believes that the accent and tone of one’s voice determines a person’s prospects in society (“Why Can’t the English?”). At the Covent Garden fruit-and-vegetable market one evening, he meets Colonel Hugh Pickering, himself a phonetics expert who had come from India to see him. Higgins boasts he could teach even Eliza Doolittle, the young flower seller woman with a strong Cockney accent, to speak so well he could pass her off as a duchess at an embassy ball. Eliza’s ambition is to work in a flower shop, but her accent makes that impossible (“Wouldn’t It Be Loverly”). The following morning, Eliza shows up at Higgins’ home, seeking lessons. Pickering is intrigued and offers to cover all the attendant expenses if Higgins succeeds. Higgins agrees and describes how women ruin lives (“I’m an Ordinary Man”).

Eliza’s father, Alfred P. Doolittle, a dustman, learns of his daughter’s new residence (“With a Little Bit of Luck”). He shows up at Higgins’ house three days later, ostensibly to protect his daughter’s virtue, but in reality to extract some money from Higgins, and is bought off with £5. Higgins is impressed by the man’s honesty, his natural gift for language, and especially his brazen lack of morals. Higgins recommends Alfred to a wealthy American who is interested in morality.

Eliza endures Higgins’ demanding teaching methods and treatment of her personally (“Just You Wait”), while the servants feel both annoyed with the noise as well as pitiful for Higgins (“Servants’ Chorus”). She makes no progress, but just as she, Higgins, and Pickering are about to give up, Eliza finally “gets it” (“The Rain in Spain”); she instantly begins to speak with an impeccable upper-class accent, and is overjoyed at her breakthrough (“I Could Have Danced All Night”).

As a trial run, Higgins takes her to Ascot Racecourse (“Ascot Gavotte”), where she makes a good impression initially, only to shock everyone by a sudden lapse into vulgar Cockney while cheering on a horse. Higgins partly conceals a grin behind his hand. At Ascot, she meets Freddy Eynsford-Hill, a young, upper-class man who becomes infatuated with her (“On the Street Where You Live”).

Higgins then takes Eliza to an embassy ball for the final test, where she dances with a foreign prince. Also present is Zoltan Karpathy, a Hungarian phonetics expert trained by Higgins, who is an impostor detector. After he dances with Eliza, he declares that she is a Hungarian princess.

Afterward, Eliza’s hard work is barely acknowledged, with all the praise going to Higgins (“You Did It”). This and his callous treatment of her, especially his indifference to her future, causes her to walk out on him, but not before she throws Higgins’ slippers at him, leaving him mystified by her ingratitude (“Just You Wait (Reprise)”). Outside, Freddy is still waiting (“On the Street Where You Live (Reprise)”) and greets Eliza, who is irritated by him as all he does is talk (“Show Me”). Eliza tries to return to her old life but finds that she no longer fits in. She meets her father, who has been left a large fortune by the wealthy American to whom Higgins had recommended him, and is resigned to marrying Eliza’s stepmother. Alfred feels that Higgins has ruined him, lamenting that he is now bound by “middle-class morality”, in which he gets drunk before his wedding day (“Get Me to the Church On Time”). Eliza eventually ends up visiting Higgins’ mother, who is outraged at her son’s callous behavior.

The next day, Higgins finds Eliza gone and searches for her (“A Hymn to Him”), eventually finding her at his mother’s house. Higgins attempts to talk Eliza into coming back to him. He becomes angered when she announces that she is going to marry Freddy and become Karpathy’s assistant (“Without You”). He makes his way home, stubbornly predicting that she will come crawling back. However, he comes to the unsettling realization that she has become an important part of his life (“I’ve Grown Accustomed to Her Face”). He enters his house feeling lonely, reflecting on his callous behaviour and missing Eliza so much that he turns on his gramophone and listens to her voice. Suddenly, Eliza reappears at the door and turns it off to catch his attention, with Higgins asking, “Eliza, where the devil are my slippers?”.

Uncredited:

Sources : Youtube / Wikipedia

The Adam Project

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The Adam Project is a 2022 American science fiction action comedy film directed by Shawn Levy from a screenplay written by Jonathan Tropper, T.S. Nowlin, Jennifer Flackett, and Mark Levin. It stars Ryan Reynolds, Mark Ruffalo, Jennifer Garner, Walker Scobell, Catherine Keener, and Zoe Saldaña. The plot follows a pilot who goes back in time and encounters his younger self.

Production on the film first began in 2012 with Tom Cruise attached to star. The film then fell into development hell until Netflix acquired the distribution rights. Filming commenced in November 2020 and wrapped in March 2021. The film was released on Netflix on March 10, 2022, and received generally positive reviews from critics.

In a dystopian 2050, fighter pilot Adam Reed steals his time jet and escapes through time on a rescue mission to 2018. However, he accidentally crash-lands in 2022 instead where Adam meets his 12-year-old self who is struggling with the recent death of their father Louis in a car accident. Adam reluctantly enlists his younger self’s help to repair his jet and reveals that he is looking for his wife, Laura, who was supposedly killed in a crash while on a mission to 2018.

Adam is being chased by Maya Sorian, the leader of the dystopian world and her lieutenant Christos who attempt to apprehend Adam and take him back to 2050. The Adams are rescued by Laura who reveals that she had escaped an assassination attempt on her and was left stranded in the past. Laura had learned that Sorian had traveled back in time and altered the past in order to give herself control of time travel and the future. Laura urges Adam to travel back to 2018 and destroy time travel, which was created by his father Louis, in order to set things right and save the future. Sorian attacks and Laura sacrifices herself so that the two Adams can escape. Chased by Sorian and with only enough power left for one time jump, Adam and his younger self jump back to 2018.

In 2018, the two Adams attempt to enlist Louis’ help, but he refuses out of concern for the scientific impact on the timestream. The younger Adam confronts his future self about his bitterness and anger and realizes that the source of it is his lingering pain over their father’s death. As the two launch an attack to destroy Louis’ particle accelerator, Louis changes his mind and joins the mission, having them instead retrieve the hard drive containing the only copy of his algorithm that enables time travel. A battle erupts between the Adams, Louis, Sorian, her younger self, Sorian’s soldiers and Christos, resulting in the particle accelerator overloading. Sorian attempts to shoot Louis with an armor-piercing bullet, but the magnetic field of the accelerator instead diverts the round, causing it to kill the younger Sorian, erasing the future Sorian from existence as the Reeds flee.

With time travel destroyed and the future set right, Louis chooses not to learn of his own fate and enjoys a game of catch with both versions of his son before the Adams are returned to their own times. In 2022, Adam lets go of his bitterness and anger and reconciles with his mother whom he has been distant with ever since Louis’ death. Years later, an adult and much happier Adam meets Laura for the first time in a situation mirroring their first meeting in the original timeline.

The adam Project
The adam project
The adam Project
  • Ryan Reynolds as Adam Reed, a time pilot who risks his life to try and uncover the truth behind his wife’s disappearance
    • Walker Scobell as young Adam Reed, a bullied 12-year-old who suffers from asthma
  • Mark Ruffalo as Louis Reed, Adam’s father and a brilliant quantum physicist who wrote the algorithm necessary for controlled time travel
  • Jennifer Garner as Ellie Reed, Adam’s mother
  • Catherine Keener as Maya Sorian, a businesswoman who funded Louis’ research and later took advantage of his death to monopolize it for her own benefit and create a future where she is the most powerful woman in the world. Keener also portrays her younger self through de-aging
  • Zoe Saldaña as Laura, Adam’s wife and a fellow time pilot left stranded in 2018 after a failed attempt on her life
  • Alex Mallari Jr. as Christos, Adam and Laura’s former colleague, now a ruthless security enforcer employed by Sorian

Sources Wikepedia / Youtube

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Restaurants Libanais à Paris


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by radiosatellite.co

the war wagon (western 1967 )

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The War Wagon is a 1967 American Western film directed by Burt Kennedy and starring John Wayne and Kirk Douglas. The picture has the form of a light-hearted heist movie. Released by Universal Pictures, it was produced by Marvin Schwartz and adapted by Clair Huffaker from his own novel. The supporting cast includes Howard Keel, Robert Walker Jr., Keenan Wynn, Joanna Barnes and Bruce Dern. The picture received generally positive reviews.

Filming took place in Sierra de Órganos National Park in the town of Sombrerete, Mexico.

Rancher Taw Jackson returns to his hometown to settle a score, after being released early from prison for good behavior. Three years earlier, he was framed by corrupt businessman Frank Pierce and wrongfully imprisoned, while Pierce appropriated his ranch and lands, as well as the recently discovered gold on the property.

Jackson decides to steal Pierce’s largest gold shipment, worth $500,000 (approximately $12M-$13M today). Jackson learns the date of the shipment from Wes Fletcher, an elderly wagon driver employed by Pierce.

He then hires a marksman and safecracker known only as “Lomax” to assist him, even though Lomax had helped Pierce send Jackson to prison. The safe of gold dust is being transported in a “war wagon”, a heavily armored stagecoach surrounded by armed guards on horseback.

Lomax and Jackson rescue Levi Walking Bear, a Kiowa translator, from a gang of Mexican banditos. Lomax is then sent to pick up Billy Hyatt, supposedly an expert on explosives, and is dismayed to find he is a teenage drunkard. Jackson, Fletcher, Hyatt, Lomax and Levi meet up to discuss their next move, and Fletcher instantly objects to Hyatt’s presence around his teenage “wife” Kate.

Lomax rides into town and is confronted by Pierce, who offers him $12,000 for Jackson’s head. Lomax spends the night with Lola, an old acquaintance, at one point having to stop Hyatt, who has become drunk again, from spilling the beans about the robbery. Jackson and Levi return from negotiations with the Kiowas, during which the warriors agreed to help, since Pierce is starving the tribe out. Jackson sends Hyatt to wait at Fletcher’s farm. Kate, in Fletcher’s absence, reveals to Hyatt that she is not married and was actually sold by her abusive parents. Hyatt starts trying to defend Kate from Fletcher’s harsh behaviors, and Jackson has to stop Fletcher from killing Hyatt.

Levi, Jackson, and Lomax cause a disturbance in town to confuse Pierce’s men. The conspirators later sneak onto Jackson’s old ranch to steal some nitroglycerin from a safe in the mining shack. Jackson keeps Pierce distracted by pretending to collect some of his old things, while Lomax and Hyatt put the nitro in bottles.

The next day, Hyatt rigs a bridge to explode with the bottles of nitro, Levi blocks the normal route with a felled tree, and Lomax and Jackson set up a booby trap in a narrow gorge. Pierce reveals he has added a turret with a Gatling Gun to the war wagon, and he and his guards set out with the shipment. The Kiowa warriors create a dust screen and separate the guard riders from the War Wagon. The bridge explodes behind the wagon as it crosses, stranding the guards on the other side of the cliffs. Chief Wild Horse and some more Kiowa warriors attack the wagon and try to take all the gold for themselves, but many are killed by the Gatling Gun.

When the wagon is diverted into the gorge by the fallen tree, Jackson and Lomax spring their trap, killing the drivers. Pierce shoots the last two of his men when they try to desert him and the wagon, but one of them shoots back as he dies, killing Pierce. The wagon crashes into a gulch, and the conspirators quickly load the gold dust into some flour barrels on Fletcher’s cart. However, the Kiowa warriors kill Fletcher and attempt to take all the gold (and the flour) for themselves. Hyatt uses the last bottle of nitro to kill the chief and scare the warriors off, but the cart horses spook and run off. The flour barrels are lost and broken, with the Kiowa women, unaware of all that transpired, gathering up the flour to feed their families.

Jackson finds $100,000 worth of gold dust in a hidden compartment in the cart, where Fletcher had tried to steal it. Lomax angrily takes Jackson’s horse as payment, and Jackson gives a small amount of dust to Hyatt, who rides off with Kate while Levi returns to the Kiowas. They plan to meet in six months to divide the rest, when the robbery will be old news.

Sources Wikipedia / youtube

SOPHIA LOREN

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Sofia Villani Scicolone born 20 September 1934), known professionally as Sophia Loren is an Italian film actress and singer. She is one of the last surviving stars from the Golden Age of Hollywood.

Encouraged to enroll in acting lessons after entering a beauty pageant, Loren began her film career at age 16 in 1950. She appeared in several bit parts and minor roles in the early part of the decade, until her five-picture contract with Paramount in 1956 launched her international career. Notable film appearances around this time include The Pride and the Passion, Houseboat, and It Started in Naples.

Her talents as an actress were not recognized until her performance as Cesira in Vittorio De Sica’s Two Women (1961); Loren’s performance earned her the Academy Award for Best Actress, making her the first thespian to win an Oscar for a foreign-language performance.

She holds the record for having earned six David di Donatello Awards for Best Actress: Two Women; Yesterday, Today and Tomorrow (1963); Marriage Italian Style (1964) (for which she was nominated for a second Oscar); Sunflower (1970); The Voyage (1974); and A Special Day (1977).

After starting a family in the early 1970s, Loren chose to make only occasional film appearances. Most recently, she has appeared in American films such as Grumpier Old Men (1995) and Nine (2009).

Aside from the Academy Award, she has won a Grammy Award, five special Golden Globes (including the Cecil B. DeMille Award), a BAFTA Award, a Laurel Award, the Volpi Cup for Best Actress at the Venice Film Festival, the Best Actress Award at the Cannes Film Festival and the Honorary Academy Award in 1991.

In 1995, she received the Golden Globe Cecil B. DeMille Award for lifetime achievements, one of many such awards. In 1999, Loren was named by the American Film Institute the 21st greatest female star of Classic Hollywood Cinema, and she is currently the only living actress on the list.

Sofia Villani Scicolone was born on 20 September 1934 in the Clinica Regina Margherita in Rome, Italy,  the daughter of Romilda Villani (1910–1991) and Riccardo Scicolone, a construction engineer of noble descent (Loren wrote in her autobiography that she is entitled to call herself the Marquess of Licata Scicolone Murillo).

Loren’s father Riccardo Scicolone refused to marry Villani,  leaving the piano teacher and aspiring actress without financial support. Loren met with her father three times, at age five, age seventeen and in 1976 at his deathbed, citing that she forgave him but had never forgotten the abandonment of her mother.

Loren’s parents had another child together, her sister Maria, in 1938. Loren has two younger paternal half-brothers, Giuliano and Giuseppe. Romilda, Sofia, and Maria lived with Loren’s grandmother in Pozzuoli, near Naples.

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During the Second World War, the harbour and munitions plant in Pozzuoli was a frequent bombing target of the Allies. During one raid, as Loren ran to the shelter, she was struck by shrapnel and wounded in the chin. After that, the family moved to Naples, where they were taken in by distant relatives.

After the war, Loren and her family returned to Pozzuoli. Loren’s grandmother Luisa opened a pub in their living room, selling homemade cherry liquor. Romilda Villani played the piano, Maria sang, and Loren waited on tables and washed dishes. The place was popular with the American GIs stationed nearby.

At age 15, Loren as Sofia Lazzaro entered the Miss Italia 1950 beauty pageant and was assigned as Candidate #2, being one to the four sharing contestants representing the Lazio region.

She was selected as one of the last three finalists and won the title of “Miss Elegance 1950” , while Liliana Cardinale won the title of “Miss Cinema” and Anna Maria Bugliari won the grand title of Miss Italia. She returned in 2001 as president of the jury for the 61st edition of the pageant. In 2010, Loren crowned the 71st Miss Italia pageant winner.

1951–1953 as Sofia Scicolone, and as Sofia Lazzaro

At age 17, as Sofia Lazzaro, she enrolled in acting class and was selected as an uncredited extra in Mervyn LeRoy’s 1951 film Quo Vadis (1951), filmed when she was 17 years old.

That same year, she appeared in Italian film Era lui… sì! sì!, where she played an odalisque, and was credited as Sofia Lazzaro. She appeared in several bit parts and minor roles in the early part of the decade, including the La Favorita (1952).

Carlo Ponti changed her name and public image to appeal to a wider audience as Sophia Loren, being a twist on the name of the Swedish actress Märta Torén and suggested by Goffredo Lombardo. Her first starring role was in Aida (1953), for which she received critical acclaim.

After playing the lead role in Two Nights with Cleopatra (1953), her breakthrough role was in The Gold of Naples (1954), directed by Vittorio De Sica. Too Bad She’s Bad, also released in 1954, and (La Bella Mugnaia) (1955) became the first of many films in which Loren co-starred with Marcello Mastroianni.

Over the next three years, she acted in many films, including Scandal in Sorrento, Lucky to Be a Woman, Boy on a Dolphin, Legend of the Lost and The Pride and the Passion.

Loren became an international film star following her five-picture contract with Paramount Pictures in 1958.

Among her films at this time were Desire Under the Elms with Anthony Perkins, based upon the Eugene O’Neill play; Houseboat, a romantic comedy co-starring Cary Grant; and George Cukor’s Heller in Pink Tights, in which she appeared as a blonde for the first time.

In 1960, she starred in Vittorio De Sica’s Two Women, a stark, gritty story of a mother who is trying to protect her 12-year-old daughter in war-torn Italy.

The two end up gang-raped inside a church as they travel back to their home city following cessation of bombings there.

Originally cast as the daughter, Loren fought against type and was eventually cast as the mother (actress Eleonora Brown would portray the daughter). Loren’s performance earned her many awards, including the Cannes Film Festival’s best performance prize, and an Academy Award for Best Actress, the first major Academy Award for a non-English-language performance or to an Italian actress.

She won 22 international awards for Two Women. The film was extremely well received by critics and a huge commercial success.

Though proud of this accomplishment, Loren did not show up to this award, citing fear of fainting at the award ceremony.

Nevertheless, Cary Grant telephoned her in Rome the next day to inform her of the Oscar award.[citation needed]

During the 1960s, Loren was one of the most popular actresses in the world, and continued to make films in the United States and Europe, starring with prominent leading men. In 1964, her career reached its pinnacle when she received $1 million to appear in The Fall of the Roman Empire.

In 1965, she received a second Academy Award nomination for her performance in Marriage Italian-Style.

Drawing of Loren by Nicholas Volpe after she won an Oscar for Two Women (1961)

Among Loren’s best-known films of this period are Samuel Bronston’s epic production of El Cid (1961) with Charlton Heston, The Millionairess (1960) with Peter Sellers,

It Started in Naples (1960) with Clark Gable, Vittorio De Sica’s triptych Yesterday,

Today and Tomorrow (1963) with Marcello Mastroianni,

Peter Ustinov’s Lady L (1965) with Paul Newman,

the 1966 classic Arabesque with Gregory Peck, and Charlie Chaplin’s final film

, A Countess from Hong Kong (1967) with Marlon Brando.

Loren received four Golden Globe Awards between 1964 and 1977 as “World Film Favorite – Female”

1970–1988

Loren worked less after becoming a mother. During the next decade, most of her roles were in Italian features.

During the 1970s, she was paired with Richard Burton in the last De Sica-directed film, The Voyage (1974), and a remake of the film Brief Encounter (1974).

The film had its premiere on US television on 12 November 1974 as part of the Hallmark Hall of Fame series on NBC. In 1976, she starred in The Cassandra Crossing.

It fared extremely well internationally, and was a respectable box office success in US market.

She co-starred with Marcello Mastroianni in Ettore Scola’s A Special Day (1977). This movie was nominated for 11 international awards such as two Oscars (best actor in leading role, best foreign picture).

It won a Golden Globe Award and a César Award for best foreign movie. Loren’s performance was awarded with a David di Donatello Award, the seventh in her career. The movie was extremely well received by American reviewers and became a box office hit.

Following this success, Loren starred in an American thriller Brass Target.

This movie received mixed reviews, although it was moderately successful in the United States and internationally.

In 1978, she won her fourth Golden Globe for “world film favorite”.

Other movies of this decade were Academy award nominee Sunflower (1970), which was a critical success, and Arthur Hiller’s Man of La Mancha (1972), which was a critical and commercial failure despite being nominated for several awards, including two Golden Globes. O’Toole and James Coco were nominated for two NBR awards, in addition the NBR listed Man of La Mancha in its best ten pictures of 1972 list.

In 1980, after the international success of the biography Sophia Loren: Living and Loving, Her Own Story by A. Hotchner, Loren portrayed herself and her mother in a made-for-television biopic adaptation of her autobiography, Sophia Loren: Her Own Story. Ritza Brown and Chiara Ferrari each portrayed the younger Loren.

In 1981, she became the first female celebrity to launch her own perfume, ‘Sophia’, and a brand of eyewear soon followed.

In 1982, while in Italy, she made headlines after serving an 18-day prison sentence on tax evasion charges – a fact that failed to hamper her popularity or career.

In fact, Bill Moore, then employed at Pickle Packers International advertising department, sent her a pink pickle-shaped trophy for being “the prettiest lady in the prettiest pickle”. In 2013, the supreme court of Italy cleared her of the charges.

She acted infrequently during the 1980s and in 1981 turned down the role of Alexis Carrington in the television series Dynasty.

Although she was set to star in 13 episodes of CBS’s Falcon Crest in 1984 as Angela Channing’s half-sister Francesca Gioberti, negotiations fell through at the last moment and the role went to Gina Lollobrigida instead. Loren preferred devoting more time to raising her sons.

sophia loren2

Later career

In 1991, Loren received the Academy Honorary Award for her contributions to world cinema and was declared “one of the world cinema’s treasures”. In 1995, she received the Golden Globe Cecil B. DeMille Award.

She presented Federico Fellini with his honorary Oscar in April 1993. In 2009, Loren stated on Larry King Live that Fellini had planned to direct her in a film shortly before his death in 1993.

Throughout the 1990s and 2000s, Loren was selective about choosing her films and ventured into various areas of business, including cookbooks, eyewear, jewelry, and perfume.

She received a Golden Globe nomination for her performance in Robert Altman’s film Ready to Wear (1994), co-starring Julia Roberts.

In 1994, a Golden Palm Star on the Palm Springs, California Walk of Stars was dedicated to her.

In Grumpier Old Men (1995), Loren played a femme fatale opposite Walter Matthau, Jack Lemmon, and Ann-Margret.

The film was a box-office success and became Loren’s biggest US hit in years.

At the 20th Moscow International Film Festival in 1997, she was awarded an Honorable Prize for contribution to cinema. In 1999, the American Film Institute named Loren among the greatest female stars of Golden Age of Hollywood cinema.

In 2001, Loren received a Special Grand Prix of the Americas Award at the Montreal World Film Festival for her body of work.She filmed two projects in Canada during this time: the independent film Between Strangers (2002), directed by her son Edoardo and co-starring Mira Sorvino, and the television miniseries Lives of the Saints (2004).

In 2009, after five years off the set and 14 years since she starred in a prominent US theatrical film, Loren starred in Rob Marshall’s film version of Nine, based on the Broadway musical that tells the story of a director whose midlife crisis causes him to struggle to complete his latest film;

he is forced to balance the influences of numerous formative women in his life, including his deceased mother. Loren was Marshall’s first and only choice for the role.

The film also stars Daniel Day-Lewis, Penélope Cruz, Kate Hudson, Marion Cotillard, and Nicole Kidman. As a part of the cast, she received her first nomination for a Screen Actors Guild Award.

In 2010, Loren played her own mother in a two-part Italian television miniseries about her early life, directed by Vittorio Sindoni with Margareth Madè as Loren, entitled La Mia Casa È Piena di Specchi , based on the memoir by her sister Maria.

In July 2013, Loren made her film comeback in an Italian adaptation of Jean Cocteau’s 1930 play The Human Voice (La Voce Umana), which charts the breakdown of a woman who is left by her lover – with her youngest son, Edoardo Ponti, as director.

Filming took under a month during July in various locations in Italy, including Rome and Naples. It was Loren’s first significant feature film since Nine.

Loren received a star on 16 November 2017, at Almeria Walk of Fame due to his intervention in Bianco, rosso e…. She received the Almería Tierra de Cine award.

In September 1999, Loren filed a lawsuit against 79 adult websites for posting altered nude photos of her on the internet.

Loren is a Roman Catholic. Her primary residence has been in Geneva, Switzerland, since late 2006. She also owns homes in Naples and Rome.

Loren is an ardent fan of the football club S.S.C. Napoli. In May 2007, when the team was third in Serie B, she (then age 72) told the Gazzetta dello Sport that she would do a striptease if the team won.

HOUSEBOAT MOVIE
HOUSEBOAT MOVIE

Affair with Cary Grant

Loren and Cary Grant co-starred in Houseboat (1958). Grant’s wife Betsy Drake wrote the original script, and Grant originally intended that she would star with him.

After he began an affair with Loren while filming The Pride and the Passion (1957), Grant arranged for Loren to take Drake’s place with a rewritten script for which Drake did not receive credit.

The affair ended in bitterness before The Pride and the Passion’s filming ended, causing problems on the Houseboat set.

Grant hoped to resume the relationship, but Loren agreed to marry Carlo Ponti, instead.

Marriage and family

Loren first met Ponti in 1950, when she was 16 and he was 37.

Though Ponti had been long separated from his first wife, Giuliana, he was not legally divorced when Loren married him by proxy (two male lawyers stood in for them) in Mexico on 17 September 1957.

The couple had their marriage annulled in 1962 to escape bigamy charges, but continued to live together.

In 1965, they became French citizens after their application was approved by then French President Georges Pompidou. Ponti then obtained a divorce from Giuliana in France, allowing him to marry Loren on 9 April 1966.

They had two children, Carlo Ponti Jr., born on 29 December 1968, and Edoardo Ponti, born on 6 January 1973.Loren’s daughters-in-law are Sasha Alexander and Andrea Meszaros. Loren has four grandchildren. Loren remained married to Carlo Ponti until his death on 10 January 2007 of pulmonary complications.

sophia loren and Carlo Ponti

In 1962, Loren’s sister Maria married the youngest son of Benito Mussolini, Romano, with whom she had two daughters, Alessandra, a national conservative Italian politician, and Elisabetta.

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Albert à l’Ouest

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Nous avons découvert récemment, un film, pourtant paru en 2014 : ALBERT A L’OUEST

Titre original : A MILLION WAY TO DIE IN THE WEST

Film marrant, comique même.

“Western” en parodie et comédie

Surtout que l’un des acteurs de ce film : LIAM NEESON qui , pour la première fois, sans doute, a joué dans cette catégorie de films de cinéma. En général, Liam Neeson, opte pour des films d’action, de violence, plutôt sérieux ( enfin, dans le sens où ca ne rigole pas).

L’actrice principale : CHARLIZE THERON

L’acteur principal : SETH MAC FARLANE ( producteur et réalisateur du film )

Nous pouvons voir passer DOC BROWN ( Christopher LLOYD ) de passage dans le far west venant du futur ( BACK TO THE FUTURE).

Passage aussi de BILL MAHER qui reproduira , dans le far west, une réplique de ses émissions TV

Pour résumer: Ce film vaut le détour.

Pour vous donner un avant goût, quelques vidéos choisies pour vous dans cet article.

Visionnez les. Ca vaudra le détour

Et si vous avez l’occasion de voir le film ( en DVD ou en VOD ) n’hésitez pas.

Il passe aussi sur les chaines OCS de temps en temps. ( Si vous auriez un abonnement des chaines de ce groupe cinéma)

En 1882, Albert Stark (Seth MacFarlane) vit dans la ville de Vieille Souche (Old Stump en version originale et québécoise). C’est un éleveur de moutons, plutôt lâche, qui vient de perdre sa petite amie Louise (Amanda Seyfried). Il s’entraîne alors pour devenir un as de la gâchette, avec l’aide d’Anna (Charlize Theron), la femme du célèbre hors-la-loi Clinch (Liam Neeson). Mais les choses se compliquent lorsqu’Albert et Anna tombent amoureux l’un de l’autre..

A million ways to die in the West

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We discovered this week a movie from 2014.

A western comedy and parody at times.

We really enjoyed this movie. Laughter assured.

Too bad it didn’t get the success it deserves.

Here are details about this movie ( from Wikipedia and from other sources all reunited her in this article

Training

A Million Ways to Die in the West is a 2014 American Western comedy film directed by Seth MacFarlane, who wrote the screenplay with Alec Sulkin and Wellesley Wild. The film features an ensemble cast including MacFarlane, Charlize Theron, Amanda Seyfried, Neil Patrick Harris, Giovanni Ribisi, Sarah Silverman, and Liam Neeson. The film follows a cowardly frontiersman who gains courage with the help of a female gunfighter and must use his newfound skills in a confrontation with her villainous outlaw husband.

Charlize Theron

Development for A Million Ways to Die in the West began while MacFarlane and co-writers Sulkin and Wild were watching western movies during the development of Ted. Casting was done between December 2012 and March 2013. Filming began on May 6, 2013, in various locations in New Mexico including Albuquerque and Santa Fe, and it concluded on August 9 that year. Joel McNeely composed the score.

The film was released on May 30, 2014, in the United States, and distributed worldwide by Universal Pictures. The film received mixed reviews from critics, with criticism for its length. It was released on DVD and Blu-ray on October 7, 2014, and earned more than $15 million in home media sales

THE FAIR

In 1882, in the town of Old Stump, Arizona, timid sheep farmer Albert Stark (Seth MacFarlane) has broken up with his girlfriend Louise (Amanda Seyfried) as a result of his refusal to participate in a gunfight. He prepares to migrate to San Francisco, believing that the frontier offers nothing for him. Meanwhile, infamous outlaw Clinch Leatherwood (Liam Neeson) robs and kills an old prospector (Matt Clark) for a gold nugget. He orders his right-hand man Lewis (Evan Jones) to escort his wife Anna (Charlize Theron) to Old Stump to lie low while he continues his banditry.

A million way to die in the west

Lewis and Anna arrive in Old Stump under the disguise of two siblings intending to build a farm, but Lewis is arrested after shooting the Pastor’s (John Aylward) son in a saloon. During the brawl, Albert saves Anna from being crushed by two of the patrons, and the two become close friends. They attend a county fair where Louise’s new boyfriend, the arrogant Foy (Neil Patrick Harris), challenges Albert to a shooting contest. Albert is defeated, but Anna steps in and defeats Foy. Foy publicly humiliates Albert, who impulsively challenges Foy to a duel in a week’s time to win back Louise. Anna then spends the week teaching Albert how to shoot.

During a barn dance the night before the duel, Anna gives Foy a Mickey. After leaving the dance, Albert and Anna kiss before heading home. Upon breaking out of jail and murdering the sheriff, Lewis observes the kiss and reports it to Clinch. On the day of the duel, Foy arrives late and gets diarrhea from the laxative he had unknowingly drunk. Albert, who has decided that Louise is not worth fighting for, once again forfeits the duel. He retires to the saloon, but Clinch arrives and demands to know who kissed his wife. He reveals that Anna is his wife and threatens to continue killing more people unless his wife’s lover duels him at noon the next day. Later, Clinch confronts Anna by demanding that she reveal Albert’s name and his whereabouts or he will kill her. Before he attempts to have sex with her, she knocks him unconscious with a rock and escapes.

No Sex before marriage she said

Anna returns to Albert’s farm to warn him about Clinch, but he chastises her for lying to him. Clinch, having regained consciousness, tracks down Anna to the farm, but Albert helps her escape, then escapes himself. While fleeing, he is captured by a tribe of Apache Indians, who threaten to burn him alive. The Apaches spare him when he reveals that he can speak their language. They give him a bowl of peyote, which sends him flashing back to his birth and through painful events of his childhood before making him realize that he loves Anna.

Meanwhile, Clinch recaptures Anna in town, but Albert returns to Old Stump and confronts him. He wounds Clinch with a bullet poisoned with rattlesnake venom before his own gun is shot out of his hand, but he manages to stall until Clinch fatally succumbs to the poison. Louise attempts to win back Albert, but he rejects her and instead happily enters a relationship with Anna, who becomes his new wife. Albert also receives a bounty for killing Clinch and uses the money to buy more sheep.

In a pre-credits scene, the proprietor of a racist shooting game called “Runaway Slave” at the fair asks who would like to take a shot. Django Freeman (Jamie Foxx) steps up and shoots the man while commenting that “people die at the fair”.

Seth Mac Farlane and Charlize Theron

Liam Neeson
Bill Maher

Casting

  • Seth MacFarlane as Albert Stark, a wimpy but kind-hearted sheepherder.
    • Mike Salazar as 6-year-old Albert
  • Charlize Theron as Anna Barnes-Leatherwood, Clinch Leatherwood’s rebellious wife, who befriends Albert.
  • Amanda Seyfried as Louise, Albert’s unappreciative ex-girlfriend.
  • Liam Neeson as Clinch Leatherwood, a notorious outlaw and Anna’s abusive husband.
  • Giovanni Ribisi as Edward, Albert’s best friend and Ruth’s boyfriend
  • Neil Patrick Harris as Foy, a wealthy, snobby Old Stump inhabitant and Louise’s current boyfriend.
  • Sarah Silverman as Ruth, Edward’s girlfriend and a prostitute.
  • Christopher Hagen as George Stark, Albert’s abusive father.
  • Wes Studi as Chief Cochise, the leader of Apache Indians
  • Rex Linn as Sheriff/Narrator
  • Alex Borstein as Millie, a madam at a local brothel which Ruth works at.
  • Ralph Garman as Dan
  • John Aylward as Pastor Wilson
  • Amick Byram as Marcus Thornton
  • Evan Jones as Lewis, a ruthlessly violent outlaw and Clinch Leatherwood’s right-hand man.
  • Dylan Kenin as Pastor’s Son, the son of the town pastor, who is killed by Lewis in the bar.
  • Matt Clark as the Old Prospector, an unfortunate victim of Clinch’s gang

Cameos

The score was composed by Joel McNeely. The soundtrack was released by Back Lot Music on May 27, 2014. The theme song “A Million Ways to Die” is performed by Alan Jackson. It was released as a single on April 29, 2014. A portion of the Back to the Future theme by Alan Silvestri is used during Christopher Lloyd’s cameo. Near the end of the movie, the refrain of “Tarzan Boy” by Baltimora is used as a fictional “Muslim Death Chant.” Track listing

All music is composed by Joel McNeely, except as noted.

No.TitleLength
1.“A Million Ways to Die” (performed by Alan Jackson)2:27
2.“Main Title”2:33
3.“Missing Louise”2:08
4.“Old Stump”0:45
5.“Saloon Brawl”1:50
6.“Rattlesnake Ridge”1:28
7.“People Die at the Fair”2:11
8.“The Shooting Lesson”2:16
9.“The Barn Dance”2:29
10.“If You’ve Only Got a Moustache” (composed by Stephen Foster, performed by Amick Byram)1:31
11.“Anna and Albert”4:19
12.“Clinch Hunts Albert”3:41
13.“Racing the Train”2:21
14.“Captured by Cochise”2:07
15.“Albert Takes a Trip”2:24
16.“The Showdown”2:20
17.“Sheep to the Horizon”2:00
18.“End Title Suite”

Box office

A Million Ways to Die in the West grossed $43.1 million in North America and $43.3 million in other territories, for a worldwide total of $86.4 million, against its $40 million budget.

The film grossed $16.8 million in its opening weekend, finishing in third place at the box office behind fellow newcomer Maleficent and the previous weekend’s opener X-Men: Days of Future Past. This was below expectations of $26 million. In its second weekend, the film dropped to number five, grossing an additional $7.3 million. In its third weekend, the film dropped to number eight, grossing $3.2 million. In its fourth weekend, the film dropped to number 11, grossing $1.6 million.

A million way to die in the West
Doc Brown Christopher Lloyd
Bill Maher
Cover A million way to die in the West
Seth Mca Farlane and Charlize Theron

Julie Andrews

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Dame Julie Andrews DBE (born Julia Elizabeth Wells; 1 October 1935) is an English actress, singer, and author. Throughout her career of over 75 years, she has received numerous accolades, including an Academy Award, a British Academy Film Award, two Primetime Emmy Awards, three Grammy Awards, and six Golden Globe Awards.

Andrews was made a Disney Legend in 1991, and has been honoured with a Honorary Golden Lion as well as the AFI Life Achievement Award. In 2000, Andrews was made a dame by Queen Elizabeth II for services to the performing arts.

Andrews, a child actress and singer, appeared in the West End in 1948 and made her Broadway debut in The Boy Friend (1954). Billed as “Britain’s youngest prima donna“, she rose to prominence starring in Broadway musicals such as My Fair Lady (1956) playing Eliza Doolittle and Camelot (1960) playing Queen Guinevere. On 31 March 1957, Andrews starred in the premiere of Rodgers and Hammerstein‘s written-for-television musical Cinderella, a live, colour CBS network broadcast seen by over 100 million viewers. Andrews made her feature film debut in Walt Disney‘s Mary Poppins (1964) and won the Academy Award for Best Actress for her performance in the title role. The following year she starred in the musical film The Sound of Music (1965), playing Maria von Trapp and won the Golden Globe Award for Best Actress – Motion Picture Comedy or Musical.

Between 1964 and 1986, Andrews starred in various films working with directors including her husband Blake Edwards, George Roy Hill, and Alfred Hitchcock in The Americanization of Emily (1964), Hawaii (1966), Torn Curtain (1966), Thoroughly Modern Millie (1967), Star! (1968), The Tamarind Seed (1974), 10 (1979), S.O.B. (1981), Victor/Victoria (1982), That’s Life! (1986), and Duet for One (1986). After 1986 her workload decreased, appearing in two films in 1991 and not again until 2000. After the turn of the new millennium, however, her career had a revival. From 2001 to 2004 Andrews starred in The Princess Diaries (2001) and The Princess Diaries 2: Royal Engagement (2004). From 2004 to 2018 she lent her voice to the Shrek and Despicable Me animated films and Aquaman (2018). In 2017 she co-created and hosted a children’s educational show titled Julie’s Greenroom, for which she received two Daytime Emmy Award nominations. Beginning in 2020, Andrews voiced the narrator Lady Whistledown in the Netflix series Bridgerton. She has also worked hosting performance shows such as Great Performances and narrating documentaries such as the 2004 Emmy-winning series Broadway: The American Musical.

In 2002, Andrews was ranked No. 59 in the BBC’s poll of the 100 Greatest Britons. In 2003, she revisited her first Broadway success, this time as a stage director, with a revival of The Boy Friend. Apart from her musical career, she is also an author of children’s books and has published two autobiographies, Home: A Memoir of My Early Years (2008) and Home Work: A Memoir of My Hollywood Years (2019).

Julia Elizabeth Wells was born on 1 October 1935 in Walton-on-Thames, Surrey, England. Her mother, Barbara Ward Wells (née Morris; 1910–1984) was born in Chertsey and married Edward Charles “Ted” Wells (1908–1990), a teacher of metalwork and woodwork, in 1932.

Andrews was conceived as a result of an affair her mother had with a family friend. Andrews discovered her true parentage from her mother in 1950, although it was not publicly disclosed until her 2008 autobiography.

With the outbreak of World War II, her parents went their separate ways and were soon divorced. Each remarried: Barbara to Ted Andrews, in 1943, and Ted Wells in 1944 to Winifred Maud (Hyde) Birkhead, a war widow and former hairstylist at a war work factory that employed them both in Hinchley Wood, Surrey. Wells assisted with evacuating children to Surrey during the Blitz, while Andrews’s mother joined her husband in entertaining the troops through the Entertainments National Service Association. Andrews lived briefly with Wells and her brother, John in Surrey. In 1940, Wells sent her to live with her mother and stepfather, who Wells thought would be better able to provide for his talented daughter’s artistic training. According to Andrews’s 2008 autobiography Home, while Andrews had been used to calling her stepfather “Uncle Ted”, her mother suggested it would be more appropriate to refer to her stepfather as “Pop”, while her father remained “Dad” or “Daddy” to her, a change which she disliked. The Andrews family was “very poor” and “lived in a bad slum area of London,” at the time, stating that the war “was a very black period in my life.” According to Andrews, her stepfather was violent and an alcoholic. He twice, while drunk, tried to get into bed with his stepdaughter, resulting in Andrews fitting a lock on her door.

As the stage career of her mother and stepfather improved, they were able to afford better surroundings, first to Beckenham and then, as the war ended, back to the Andrews’s hometown of Hersham. The family took up residence at the Old Meuse, in West Grove, Hersham, a house (now demolished) where Andrews’s maternal grandmother had served as a maid. Andrews’s stepfather sponsored lessons for her, first at the independent arts educational school Cone-Ripman School (ArtsEd) in London, and thereafter with concert soprano and voice instructor Madame Lilian Stiles-Allen. Andrews said of Stiles-Allen, “She had an enormous influence on me,” adding, “She was my third mother – I’ve got more mothers and fathers than anyone in the world.” In her memoir Julie Andrews – My Star Pupil, Stiles-Allen records, “The range, accuracy and tone of Julie’s voice amazed me … she had possessed the rare gift of absolute pitch”, though Andrews herself refutes this in her 2008 autobiography Home. According to Andrews, “Madame was sure that I could do Mozart and Rossini, but, to be honest, I never was”. Of her own voice, she says, “I had a very pure, white, thin voice, a four-octave range – dogs would come from miles around.” After Cone-Ripman School, Andrews continued her academic education at the nearby Woodbrook School, a local state school in Beckenham.

The sound of music

The sound of Music

The sound of Music

The sound of music Julie Andrews /Christopher Plummer
Cast of Sound of Music

Termed “Britain’s youngest prima donna”, Andrews’s classically trained soprano voice, lauded for its “pure and clear” sound, has been described as light, bright and operatic in tone. When a young Andrews was taken by her parents to be examined by a throat specialist, the doctor concluded that she had “an almost adult larynx.” Despite the continual encouragement to pursue opera by her voice teacher, English soprano Lilian Stiles-Allen, Andrews herself felt that her voice was unsuited for the genre and “too big a stretch”. At the time, Andrews described her own voice as “extremely high and thin”, feeling that it lacked “the necessary guts and weight for opera”, preferring musical theatre instead.

Victor Victoria

As Andrews aged, so did her voice, which began to naturally deepen. Losing her vast upper register, her “top notes” became increasingly difficult to sing while “her middle register matured into the warm golden tone” for which she has become known, according to Tim Wong of The Daily Telegraph.

Musically, she had always preferred singing music that was “bright and sunny”, choosing to avoid songs that were sad or otherwise written in a minor key, for fear of losing her voice “in a mess of emotion”. She cited this as another reason for avoiding opera.

Supercalifragilisticexpialidocious.

SUPERCALIFRAGILISTICEXPIALIDOCIOUS
Mary Poppins
Andre Rieu / Mary Poppins / Supercalifragilisticexpialidocious
A Spoonful Of Sugar / Julie Andrews / Mary Poppins 
Mary Poppins – Chim Chim Cher-ee
Julie Andrews

Additional informations about “the sound of music” : The original Broadway cast. The original Broadway cast was started by Mary Martin. Her singing style was very different than Julie Andrews’s style.

(Mary Martin was Larry hagman’s mother)

Sources Youtube / Wikipedia

The King’s Speech

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The King’s Speech is a 2010 British historical drama film directed by Tom Hooper and written by David Seidler. Colin Firth plays the future King George VI who, to cope with a stammer, sees Lionel Logue, an Australian speech and language therapist played by Geoffrey Rush. The men become friends as they work together, and after his brother abdicates the throne, the new king relies on Logue to help him make his first wartime radio broadcast upon Britain’s declaration of war on Germany in 1939.

Seidler read about George VI’s life after learning to manage a stuttering condition he developed during his own youth. He started writing about the relationship between the therapist and his royal patient as early as the 1980s, but at the request of the King’s widow, Queen Elizabeth The Queen Mother, postponed work until her death in 2002. He later rewrote his screenplay for the stage to focus on the essential relationship between the two protagonists. Nine weeks before filming began, Logue’s notebooks were discovered and quotations from them were incorporated into the script.

Principal photography took place in London and around Britain from November 2009 to January 2010. Hard light was used to give the story a greater resonance and wider-than-normal lenses were employed to recreate the Duke of York’s feelings of constriction. A third technique Hooper employed was the off-centre framing of characters.

The King’s Speech was a major box office and critical success. It was widely praised by film critics for its visual style, art direction, screenplay, directing, score, and acting. Other commentators discussed the film’s representation of historical detail, especially the reversal of Winston Churchill‘s opposition to abdication. The film received many awards and nominations, particularly for Colin Firth’s performance, which resulted in his first Oscar win for Best Actor. At the 83rd Academy Awards, The King’s Speech received 12 Oscar nominations, more than any other film in that year, and subsequently won four, including Best Picture. Censors initially gave it adult ratings due to profanity, though these were later revised downwards after criticism by the makers and distributors in the UK and some instances of swearing were muted in the US. On a budget of £8 million, it earned over £250 million internationally.

At the official closing of the British Empire Exhibition at Wembley Stadium, Prince Albert, Duke of York, the second son of King George V, addresses the crowd with a strong stammer. His search for treatment has been discouraging, but his wife, Elizabeth, persuades him to see the Australian-born Lionel Logue, a non-medically trained Harley Street speech defects therapist. “Bertie”, as he is called by his family, believes the first session is not going well, but Lionel, who insists that all his patients address him as such, has his potential client recite Hamlet‘s “To be, or not to be” soliloquy while hearing classical music played on a pair of headphones. Bertie is frustrated at the experiment but Lionel gives him the acetate recording that he has made of the reading as a souvenir.

After Bertie’s father, King George V, broadcasts his 1934 Royal Christmas Message, he explains to Bertie that the wireless will play a significant part in the role of the royal family, allowing them to enter the homes of the people, and that Bertie’s brother’s neglect of his responsibilities make training in it necessary. The attempt at reading the message himself is a failure, but that night Bertie plays the recording Lionel gave him and is astonished at the lack of stutter there. He therefore returns for daily treatments to overcome the physical and psychological roots of his speaking difficulty.

George V dies in 1936, and his eldest son David ascends the throne as King Edward VIII. A constitutional crisis arises with the new king over a prospective marriage with the twice-divorced American socialite Wallis Simpson. Edward, as the supreme governor of the Church of England, cannot marry her, even if she receives her second divorce, since both her previous husbands are alive.

At an unscheduled session, Bertie expresses his frustration that, while his speech has improved when speaking to most people, he still stammers when talking to David, at the same time revealing the extent of Edward VIII’s folly with Simpson. When Lionel insists that Bertie himself could make a good king, Bertie accuses Lionel of speaking treason and quits Lionel in anger. Bertie must now face the Accession Council without any assistance.

Bertie and Lionel only come together again after King Edward decides to abdicate in order to marry. Bertie, urged ahead by Prime Minister Stanley Baldwin, ascends the throne as King George VI and visits Lionel’s home with his wife before their coronation, much to the surprise of Mrs. Logue when she comes upon Queen Elizabeth having tea at her dining room table. This is the first time that she learns who her husband’s patient has been.

Bertie and Lionel’s relationship is questioned by the King’s advisors during the preparations for his coronation in Westminster Abbey. The archbishop of Canterbury, Cosmo Gordon Lang, brings to light that George never asked for advice from his advisors about his treatment and that Lionel has never had formal training. Lionel explains to an outraged Bertie that at the time he started with speech defects there were no formal qualifications and that the only known help that was available for returning Great War shell-shocked Australian soldiers was from personal experience. Bertie remains unconvinced until provoked to protest at Lionel’s disrespect for King Edward’s Chair and the Stone of Scone. Only at this pivotal moment, after realising he has just expressed himself without impairment, is Bertie able to rehearse with Lionel and complete the ceremony.

The King’s Speech

As the new king, Bertie is in a crisis when he must broadcast to Britain and the Empire following the declaration of war on Nazi Germany in 1939. Lionel is summoned to Buckingham Palace to prepare the king for his speech. Knowing the challenge that lies before him, Lang, Winston Churchill, and Prime Minister Neville Chamberlain are present to offer support. The King and Logue are then left in the broadcasting room. He delivers his speech with Logue conducting him, but by the end he is speaking freely. Preparing to leave the room for the congratulations of those present, Logue mentions to the King that he still has difficulty enunciating w and the King jokes back, “I had to throw in a few so they’d know it was me.”

As the Royal Family step onto the palace balcony and are applauded by the crowd, a title card explains that Logue, who received the Royal Victorian Order for service to the Crown, was always present at King George VI’s speeches during the war and that they remained friends until the King’s death from lung cancer in 1952.

The King's Speech

Mais qui a tué Harry ? The trouble with Harry (1955)

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Par hasard, hier, entre 2 enregistrements radio, nous avons découvert ce film d’ALFRED HITCHCOK.

Un film de 1955 : Un des rares films de HITCHCOK qui pourrait être classé dans la catégorie des comédies( mais relativement morbides en revanche). Certaines scènes font même rigoler tellement loufoques paraissaient elles. Chose rare dans les films de ce réalisateur. Du moins, selon nos modestes connaissances cinématographiques (d’amateurs)

Voici donc le résumé de ce film et quelques séquences que nous avons souhaité partager avec vous, pour le plaisir

Dans le petit hameau de Highwater, dans le Vermont, un petit garçon découvre un cadavre fraîchement mort apparu à flanc de colline au-dessus de la ville, il part vite chercher sa mère. Au même moment, un vieux chasseur tombe sur le même cadavre et pense l’avoir tué. Les habitants du lieu sont les uns après les autres confrontés au cadavre Le problème de savoir qui est la personne, qui était responsable de sa mort subite et ce qui devrait être fait avec le corps est «le problème avec Harry».

TRAILER IN FRENCH / BANDE ANNONCE EN FRANÇAIS

Le capitaine Wiles est persuadé qu’il a tué l’homme avec un tir égaré de son fusil en chassant, jusqu’à ce qu’il soit démontré qu’il a effectivement tiré sur un lapin. Jennifer Rogers, l’épouse de Harry, croit qu’elle a tué Harry parce qu’elle l’a frappé violemment avec une bouteille de lait. Mlle Gravely est certaine que l’homme est décédé après un coup du talon de sa botte de randonnée lorsqu’il s’est jeté sur elle hors des buissons, encore étourdi par le coups qu’il a reçu de Jennifer. Sam Marlowe, un artiste peintre original, mais ouvert d’esprit sur l’ensemble de l’événement et est prêt à aider ses voisins et ses nouveaux amis de toutes les manières possibles. En tout cas, personne n’est bouleversé du tout par la mort de Harry.

TRAILER IN ENGLISH

Cependant, ils espèrent tous que le corps ne sera pas porté à l’attention des autorités, incarnées par le zèle du shérif adjoint, Calvin Wiggs, froid et sans humour, et qui gagne des primes à chaque verbalisation ou arrestation. Le capitaine, Jennifer, Mlle Gravely et Sam enterrent le corps puis le déterrent à nouveau plusieurs fois au cours de la journée. Ils cachent ensuite le corps dans une baignoire. Le médecin local alerté diagnostique une mort naturelle, aucun acte criminel n’a donc été commis. Les protagonistes décident alors de replacer le cadavre sur la colline où il a été découvert la première fois, afin de le faire apparaître comme s’il venait d’être découvert.

Entre-temps, Sam et Jennifer sont tombés amoureux et souhaitent se marier, et le capitaine et Miss Gravely sont également devenus un couple. Sam a pu vendre toutes ses peintures à un millionnaire de passage, bien que Sam refuse d’accepter de l’argent et demande à la place quelques cadeaux simples pour ses amis et lui-même dont un lit à deux places pour lui et Jennifer

  • Edmund Gwenn : le capitaine Albert Wiles, un marin à la retraite
  • John Forsythe  : Sam Marlowe, un artiste peintre moderne
  • Shirley MacLaine  : Jennifer Rogers, la mère d’Arnie
  • Mildred Natwick  : Miss Ivy Gravely, une vieille fille
  • Mildred Dunnock : « Wiggie » Wiggs, l’épicière-postière du village
  • Jerry Mathers : Arnie Rogers, le petit garçon de Jennifer
  • Royal Dano  : Calvin Wiggs, le shérif adjoint
  • Parker Fennelly : le millionnaire
  • Barry Macollum : le clochard
  • Dwight Marfield : Dr Greenbow, le médecin bigleux
  • Ernest Curt Bach : Ellis, le chauffeur du millionnaire
  • Alfred Hitchcock : l’homme qui passe devant l’exposition de Sam
  • Philip Truex : Harry Worp, le mort
  • Leslie Woolf : le critique d’art du Musée d’art moderne

Stars from Egypt / Stars d’Egypte

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Une fois n’est pas coutume, cependant, il serait bon de faire découvrir des stars, des artistes , des géants voir icones du cinéma Egyptien des années 50 / 60 / 70 et même certains sont encore des monuments du cinéma actifs ( comme M Adel Imam : Considéré comme LE monument du cinéma Egyptien en activité)

Des photos d’une époque. Cependant, à noter que le cinéma Egyptien regorge d’artistes jeunes, modernes et très talentueux. Dans cet article, nous avons préféré aborder certains ( une infime partie, pour être honnête) acteurs, comédiens qui ont marqué le cinéma Egyptien : Cinéma Egyptien voire Panarabe , étant donné que les films Egyptiens représentaient à cette époque ( et à jour même ) plus de 80% du cinéma de tous les pays de la région. Ces films, ces stars :Leur notoriété recouvrait tous les pays du Machrek ( Cad d’orient : à l’Est de l’Egypte: Cad : Liban, Jordanie, Irak, Arabie, Emirats etc…) aussi bien que du Maghreb ( la partie occidentale : A l’ouest de L’Egypte : Le maghreb (Maroc….)

Nous pouvons reconnaitre : Adel Imam, Omar Shariff, ( qui n’est plus à présenter en occident évidemment puisqu’il a joué dans des dizaines de film de cinéma dont Docteur Jivago ou d’autres films français ) , Faten Hamama, Madiha Kamel, Hussein Fahmi, Najlaa Fathi, Shams el Baroudy, Souad Husni, Hassan Youssef, Jamil Rateb le Franco Egyptien ( ayant joué dans plusieurs séries et films en France / Belgique)

CLAUDIA CARDINALE

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Claudia Cardinale est une actrice et mannequin italienne francophone, née le 15 avril 1938 à Tunis (Tunisie).

Véritable sex-symbol des années 1960, elle a joué dans de nombreux films à succès, notamment dans les films Le Pigeon (1958), Le Guépard (1963) et Il était une fois dans l’Ouest (1968).

Claudia Cardinale3 RadioSatellite

Claude Joséphine Rose Cardinale est née à Tunis à l’époque du protectorat français, dans un immeuble de l’avenue Jules-Ferry (aujourd’hui avenue Habib-Bourguiba), le « Foyer du combattant », derrière le quartier de la Petite Sicile. Son père, François, est ingénieur à la compagnie des chemins de fer de Tunis. Elle est l’aînée d’une fratrie de quatre enfants avec Blanche, Bruno et Adrien élevés par sa mère Yolande Greco. Ses grands-parents paternels et maternels sont originaires de Sicile.

Garçon manqué et enfant sauvage, elle est fascinée comme beaucoup d’adolescentes de sa génération, par Brigitte Bardot. Elle étudie au lycée Cambon, rue de Marseille. Le sicilien est la langue parlée dans sa famille et le français la langue apprise pendant sa scolarité, de sorte que, bien qu’étant de nationalité italienne, elle n’apprend l’italien qu’à l’âge adulte, afin de pouvoir tourner.

Ses premiers contacts avec le cinéma ont lieu en 1955 à Venise, durant la Biennale, au cours d’un voyage qui lui a été offert après qu’elle a gagné, à 17 ans, l’élection de « la plus belle Italienne de Tunis », concours de beauté organisé par l’office du cinéma italien. Cependant, désirant être institutrice, elle décline toutes les propositions qui lui sont faites et ne fait qu’une brève apparition dans un court métrage, Anneaux d’or de René Vautier. Violée à l’âge de 19 ans, elle refuse de se faire avorter et c’est ce qui la pousse à s’engager dans le cinéma pour gagner sa vie et être indépendante dans le but de pouvoir élever son fils Patrick.

Ses véritables débuts dans un long métrage se font en 1958 dans Goha de Jacques Baratier et surtout Le Pigeon de Mario Monicelli, sous l’égide du producteur Franco Cristaldi, qu’elle épouse en 1966.

Dans les années 1960, on la retrouve à l’affiche de nombreux succès critiques et publics. De célèbres et nombreux réalisateurs tiennent à sa présence devant leurs caméras. Ce sont notamment Mauro Bolognini, Abel Gance, Luchino Visconti, Henri Verneuil, Philippe de Broca, Luigi Comencini, Federico Fellini, Blake Edwards, Henry Hathaway et Sergio Leone. Avec le drame La Fille à la valise de Valerio Zurlini, elle devient la petite fiancée de l’Italie.

À cause de sa voix rauque et de son italien alors approximatif, l’actrice est systématiquement doublée dans ses films, jusqu’à Huit et demi.

Sur le tournage, Claudia Cardinale parle le français dans les scènes avec Alain Delon, l’anglais avec Burt Lancaster et l’italien dans ses autres scènes.

Ces doublages ont eu une conséquence négative au début de sa carrière, car pour le film La Fille à la valise, elle reçoit le ruban d’argent de la meilleure actrice, qui lui est aussitôt retiré, le jury s’étant rappelé après coup que le règlement interdit aux lauréats d’être doublés.

Sa présence aux côtés d’Alain Delon dans Rocco et ses frères et dans Le Guépard de Visconti, et aux côtés de Jean-Paul Belmondo dans Cartouche la font connaître du public français, alors que le succès aux États-Unis et la renommée internationale lui viennent en 1963 avec Huit et demi de Federico Fellini puis, en 1964, avec Le Plus Grand Cirque du monde d’Henry Hathaway ; ils se confirment en 1968 par Il était une fois dans l’Ouest de Sergio Leone. 

Les années 1970 et 1980 la voient alterner les rôles : réalisations italiennes avec Marco Ferreri, Luigi Comencini, Franco Zeffirelli, Marco Bellocchio,

Luchino Visconti (sous la direction duquel elle a joué quatre fois) et surtout avec son compagnon (à partir de 1974), le réalisateur et scénariste Pasquale Squitieri ; réalisations françaises avec Christian-Jaque, José Giovanni, Michel Lang, Nadine Trintignant, Diane Kurys ou Robert Enrico ; réalisations internationales avec Jerzy Skolimowski, Mikhaïl Kalatozov, George Cosmatos, Alan Bridges, Werner Herzog ou Blake Edwards.

Sur le tournage difficile des Aventures du brigadier Gérard, elle empêche le renvoi du réalisateur polonais Jerzy Skolimowski en menaçant de quitter le film.

Durant les années 1970, elle se prête aussi à une parenthèse discographique qui lui vaut des succès discos en Europe et au Japon avec plusieurs passages télévisés et une large diffusion sur les ondes des radios périphériques en France de titres comme Love affair (classé no 16 au hit-parade), et Sun… I love you en 1977 et en 1978.

À partir de la fin des années 1990, Claudia Cardinale réduit le nombre de tournages de films pour se consacrer davantage au théâtre ou à l’écriture.

Claudia Cardinale2 RadioSatellite

Dans les années 2000, elle monte sur scène à Paris, interprétant, en 2000, La Vénitienne (anonyme du xvie siècle) et Doux oiseaux de jeunesse de Tennessee Williams en 2005.

En 1993, elle est membre du jury de la sélection officielle au Festival de Cannes. Par ailleurs, à la Mostra de Venise 1993, elle reçoit un lion d’or saluant sa contribution au patrimoine cinématographique mondial. Cette année marque le début d’une succession de récompenses saluant l’ensemble de sa carrière cinématographique.

L’Italie continue à la saluer : elle reçoit en 1997 un David di Donatello, en 1998 un Flaiano International Prizes, en 2000 le ruban d’argent d’honneur du Syndicat national des journalistes cinématographiques italiens.

Claudia Cardinale RadioSatellite

Elle enchaîne avec des prix européens : en 2002, l’ours d’or d’honneur au Festival de Berlin mais aussi le prix Platinum du Viareggio EuropaCinema. En 2003, elle est lauréate du prix des acteurs européens au Festival du Film de Ludwigsburg.

Puis c’est la France qui prend le relais : en 2006, elle est lauréate du prix Henri-Langlois de Vincennes puis en 2008 reçoit l’ordre national de la Légion d’honneur. En 2013, à la 18e cérémonie des prix Lumières 2013, elle est lauréate du prix pour l’ensemble de sa carrière. Son pays d’origine suit rapidement : en 2009, elle reçoit les insignes du grand cordon de l’ordre national du Mérite (Tunisie).

Jusqu’en 2015, elle reçoit une dizaine d’autres récompenses dans des festivals internationaux à travers le monde.

Elle continue de tourner, mais dans des productions beaucoup moins exposées médiatiquement, et souvent pour des seconds rôles..

Après un viol, elle donne naissance discrètement à Londres à un garçon, Patrick, le 19 octobre 1958, alors qu’elle est âgée de 20 ans. Son producteur, Franco Cristaldi, lui conseille de le faire passer pour son petit frère pour ne pas contrarier sa carrière. Alors que son fils a 6 ou 7 ans, elle révèle ce secret pesant à un journaliste.

Le père lui aurait envoyé de nombreuses lettres, toutes déchirées par Cristaldi sans qu’elle ne  le sache, et souhaitera des années plus tard le reconnaître, ce que Patrick refusera.

Après un mariage malheureux de 1966 à 1975 avec Cristaldi (lequel a adopté Patrick) qui organise lui-même la cérémonie sans l’avertir, elle est la compagne de 1974 à 2011 du réalisateur Pasquale Squitieri (1938-2017), avec lequel elle a une fille, Claudia. Celle-ci aura un fils, Milo, avec l’artiste plasticien Samon Takahashi.

Les rumeurs sur sa relation avec Rock Hudson à l’époque sont en réalité fausses, l’actrice révèle plus tard avoir fait croire à cela pour protéger la carrière de l’acteur, à une époque où l’homosexualité était plutôt mal perçue.

Elle a toujours adopté des positions politiques marquées par des idées progressistes. Femme de gauche, elle est engagée depuis longtemps dans la lutte contre le sida, dans la défense des droits des femmes et des homosexuels. Elle a apporté sa contribution à nombre de causes humanitaires. En 1999, l’UNESCO l’a désignée « ambassadrice de bonne volonté ».

« J’ai été une star, très jeune. Je n’ai pas de mérite, le destin en a décidé ainsi. Une étoile a toujours veillé sur moi. »

En 2009, elle publie « Ma Tunisie » aux éditions Timée, un livre de photos sur les traces de son enfance tunisienne.

En 2014, elle est membre du comité de soutien à la candidature d’Anne Hidalgo à la mairie de Paris.

Le 29 mars 2017, elle est désignée comme l’égérie des 70 ans du Festival de Cannes en figurant sur l’affiche du festival. Les retouches apportées à la photographie, qui ont pour objet de la mincir davantage, suscitent une controverse relative aux canons de beauté féminin dans le cinéma et la communication, que Claudia Cardinale finit par écarter en la qualifiant de fausse polémique

sources : Wikipedia + Divers

KIRK DOUGLAS

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Notre équipe a souhaité écrire un article commun sur Messieurs  KIRK et MICHAEL DOUGLAS : Le projet était en cours.

Cependant, le décès de M kirk DOUGLAS le 05 février 2020 a fait en sorte que nous ressortions  l’article déjà écrit sur un autre de nos sites RADIOSATELLITE  pour le diffuser sur le site officiel et principal de notre Radio “en ligne”.

KIRK DOUGLAS

Issur Danielovitch dit Kirk Douglas, né le 9 décembre 1916 à Amsterdam (État de New York), est un acteur, producteur, réalisateur et écrivain américain. Il est le père de l’acteur et producteur Michael Douglas.

 

KIRK DOUGLAS

 

 

Figure majeure du cinéma américain, Kirk Douglas est un des acteurs les plus populaires dans le monde entier dans les années 1950 et 1960.

Nombre de ses films deviennent des classiques, et il excelle dans tous les genres : la comédie (Au fil de l’épée), l’aventure (Vingt Mille Lieues sous les mers, Les Vikings), le western (Règlement de comptes à O.K. Corral), le péplum (Spartacus), les films de guerre (Les Héros de Télémark, Sept jours en mai, Les Sentiers de la gloire), le drame (La Vie passionnée de Vincent van Gogh).

Douglas a tourné avec de nombreux réalisateurs réputés comme Brian De Palma, Stanley Kubrick, Vincente Minnelli, John Huston, Howard Hawks, Otto Preminger, Joseph Leo Mankiewicz, Elia Kazan, Billy Wilder et King Vidor.

Connu pour son engagement démocrate, il est un producteur courageux à une époque où le cinéma américain est en proie au maccarthysme, notamment en engageant Dalton Trumbo, le scénariste figurant sur la « liste noire d’Hollywood ». Plusieurs de ses films abordent des thèmes sensibles, comme la Première Guerre mondiale avec Les Sentiers de la gloire (Paths of Glory), qui est interdit à sa sortie dans beaucoup de pays européens. Dans le western avec La Captive aux yeux clairs, La Rivière de nos amours et Le Dernier Train de Gun Hill, il tourne des films qui réhabilitent la figure de l’Indien et dénoncent le racisme.

KIRK DOUGLAS1

 

Ambitieux, séducteur , mégalomane , il fait partie des acteurs américains qui ont le plus marqué la mémoire du public.

Sa grande popularité ne s’est jamais démentie et il apparaît comme l’une des dernières légendes de l’Âge d’or de Hollywood. L’American Film Institute l’a par ailleurs classé en 1999 17e plus grande star masculine du cinéma américain de tous les temps.

Retiré du cinéma en 2008, il s’occupe de sa fondation pour les enfants défavorisés.

Issur Danielovitch est le quatrième enfant d’une famille qui en compte sept (il a six sœurs).

Il est le fils de Bryna (« Bertha », née Sanglel) et de Herschel (« Harry ») Danielovitch (« Demsky »). Ses parents étaient des immigrants juifs de Tchavoussy, en actuelle Biélorussie, ayant fui le pays pour échapper à la pauvreté et à l’antisémitisme d’état de l’Empire russe.

Son oncle paternel, qui avait émigré auparavant, avait utilisé le patronyme de « Demsky », que la famille Danielovitch adoptera aux États-Unis. En plus de leur nom de famille, ses parents changèrent leurs prénoms en Harry et Bertha. Issur adopte quant à lui le surnom d’« Izzy » : né sous le nom d’Issur Danielovitch, il grandit donc sous celui de Izzy Demsky

 

 

Le père est chiffonnier et la famille vit modestement au 46 Eagle Street à Amsterdam, dans l’État de New York. C’est après avoir récité un poème à l’école et reçu des applaudissements que le jeune Issur décide de devenir acteur. Une ambition non partagée par sa famille. À l’université, le fait d’être fils de chiffonnier lui attire l’ostracisme des personnes intolérantes mais le jeune homme trouve une façon d’imposer le respect : la lutte.

En juin 1939, il décide de partir à New York pour apprendre la comédie. Au théâtre Tamarak, un ami lui propose de changer son nom. On lui propose Kirk et un nom commençant par un D, Douglas. Il entre ensuite à l’académie américaine d’art dramatique et suit les cours de Charles Jehlinger.

Il y rencontre aussi Diana Dill, sa future première femme, et la jeune Betty Bacall, future Lauren Bacall. Après quelques rôles mineurs dans les pièces Spring Again (novembre 1941) et Les Trois Sœurs (décembre 1942), il s’engage dans la marine. Peu avant de s’enrôler, il effectue une démarche de changement de nom : Kirk Douglas, qui était initialement un nom de scène, devient alors son nom d’état civil.

Pendant la guerre, il se marie à Diana. Réformé à la suite d’une dysenterie chronique au printemps 1943, il retourne à New York puis de mars 1943 à juin 1945 il remplace sur scène Richard Widmark dans Kiss and Tell et en avril 1946 il joue dans Woman bites dog. Lauren Bacall, en intervenant auprès de Hal Wallis, lui permet d’obtenir le troisième rôle dans L’Emprise du crime où il joue le mari de Barbara Stanwycknote .

Il donne la réplique à Robert Mitchum dans La Griffe du passé et rencontre Burt Lancaster dans L’Homme aux abois. Alors qu’il est père de deux enfants et qu’il se sépare de sa femme, il prend le choix audacieux de tourner Le Champion (alors qu’on lui proposait une superproduction produite par la MGM). Sorti en juillet 1949, le film est un succès inespéré.

Kirk Douglas signe alors un contrat avec la Warner et enchaîne plusieurs films (La Femme aux chimères, Le Gouffre aux chimères…) qui lui permettent de rencontrer et de séduire un grand nombre de stars féminines, dont Rita Hayworth ou Gene Tierney. Las de l’emprise du studio, il décide de ne pas renouveler son contrat après le film La Vallée des géants. Libre, il tourne un western de Howard Hawks, La Captive aux yeux clairs, puis Les Ensorcelés de Vincente Minnelli où l’oscar du meilleur acteur lui échappe.

Pour les beaux yeux de l’actrice italienne Pier Angeli il accepte un contrat de trois films qui l’amène en Europe. Le Jongleur, Un acte d’amour et enfin Ulysse des jeunes producteurs Dino De Laurentiis et Carlo Ponti.

À cette époque il rencontre Anne Buydens, une assistante dont il tombe amoureux et qu’il épouse le 29 mai 1954, la même année que la superproduction Disney Vingt Mille Lieues sous les mers. Après L’Homme qui n’a pas d’étoile, l’acteur à succès devient producteur et crée la Bryna, du nom de sa mère, et produit La Rivière de nos amours, un succès.

En 1955 il achète les droits du roman Lust for life et confie la réalisation à Vincente Minnelli. La Vie passionnée de Vincent van Gogh entraîne Kirk Douglas aux limites de la schizophrénie, l’acteur ayant du mal à entrer sans conséquences dans l’âme tourmentée du peintre.

Là encore, il est nommé pour l’Oscar du meilleur acteur sans toutefois l’obtenir. Il tourne alors avec son ami Burt Lancaster un western de légende, Règlement de comptes à O.K. Corral. Sa composition du personnage de Doc Holliday reste dans toutes les mémoires. La même année, il s’investit dans la production et l’écriture d’un autre film de légende, Les Sentiers de la gloire qui permet à Stanley Kubrick de faire ses preuves.

Le film ne rapporta pas beaucoup d’argent puisqu’interdit dans un grand nombre de pays européens. Avec la Bryna, il produit Les Vikings, fresque épique qui l’emmène tourner un peu partout dans le monde (dont en France). Le film avec Tony Curtis et Janet Leigh est un gros succès. L’année suivante, après le film Au fil de l’épée, sa mère meurt le jour de son anniversaire.

Vexé de ne pas avoir été choisi pour interpréter Ben-Hur, il choisit de faire son propre film épique en adaptant au cinéma l’histoire de Spartacus l’esclave qui fit trembler Rome.

KIRK DOUGLAS SPARTACUS

KIRK DOUGLAS

 

Une préparation longue et compliquée, un tournage long et difficile (le réalisateur Anthony Mann est remplacé par Stanley Kubrick), mais un immense succès et un rôle qui place définitivement Kirk Douglas au panthéon des stars de Hollywood.

En 1962, toujours sur un scénario de Dalton Trumbo, il interprète un cow-boy perdu dans le monde moderne dans Seuls sont les indomptés, son film préféré de toute sa carrière cinématographique. Il triomphe aussi au théâtre dans la pièce Vol au-dessus d’un nid de coucou, qu’il comptait jouer au cinéma. Après quelques échecs commerciaux, dont un ambitieux, Le Dernier de la liste, il revient aux films engagés avec Sept jours en mai. Dans Les Héros de Télémark il est un scientifique qui tente de stopper la progression industrielle allemande pendant la guerre. Sur la même période, il enchaîne avec Première victoire et L’Ombre d’un géant.

Après un petit rôle dans Paris brûle-t-il ? de René Clément, il retrouve John Wayne pour un western à succès La Caravane de feu.

En 1969, il tourne L’Arrangement sous la direction de Elia Kazan puis sous celle de Joseph L. Mankiewicz pour un western original et déroutant, Le Reptile aux côtés de Henry Fonda. Après une autre adaptation d’un roman de Jules Verne (assez sombre), Le Phare du bout du monde, Kirk Douglas décide de passer à la réalisation.

Sur un sujet qu’il pense rentable, avec un budget correct, Kirk Douglas réalise Scalawag, adapté de L’Île au trésor. Le tournage est catastrophique, comme en témoigne le journal de bord, et le film est un échec total. Deux ans plus tard, il réitère l’opération avec La Brigade du Texas, western qui ne trouve pas son public.

Ce dernier film incite la star à abandonner la réalisation. Ne voulant plus tourner que des films qui l’intéressent, il produit Holocauste 2000, et Saturn  (nommé aux Razzie Awards). Furie lui permet de se frotter au Nouvel Hollywood avec Brian De Palma et Nimitz, retour vers l’enfer de retrouver le film de guerre, mâtiné cette fois de science-fiction.

Il retrouve son ami Burt Lancaster pour Coup double en 1986. Victime d’un grave accident d’hélicoptère en Californie duquel il réchappe miraculeusement, il réduit son activité cinématographique, freinée par une attaque cérébrale en 1996. Diamonds en 1999 est l’occasion de retrouver Lauren Bacall et de recevoir au festival de Deauville un hommage pour l’ensemble de sa carrière.

Une attaque cardiaque en 2001 lui enlève tout espoir de retourner au cinéma, et pourtant il accepte de tourner dans Une si belle famille aux côtés de son fils Michael et de son petit-fils Cameron. Trois générations de Douglas sont ainsi réunies pour un film sorti de façon discrète et qui ne connaîtra pas un grand succès.

Depuis le milieu des années 1990, Kirk Douglas est fréquemment honoré dans le monde entier pour l’ensemble de sa carrière. Écrivain, il a publié plusieurs ouvrages et se consacre aujourd’hui à sa fondation en faveur des enfants défavorisés.

Kirk Douglas s’est marié deux fois : la première fois avec Diana Dill (née le 22 janvier 1923, divorcée en 1951 et morte le 3 juillet 2015) avec qui il a eu deux fils, l’acteur Michael Douglas et Joel Douglas ; la seconde fois en 1954 avec Anne Buydens (née le 23 avril 1919), avec qui il a eu également deux fils, le producteur Peter Vincent Douglas, né le 23 novembre 1955, et l’acteur Eric Douglas, né le 21 juin 1958 et mort le 6 juillet 2004 d’une overdose.

Il a sept petits-enfants (trois enfants de Michael Douglas, dont l’aîné Cameron Douglas est également acteur, et quatre enfants de Peter Douglas).

Considéré comme bel homme, Kirk Douglas est souvent identifié par sa fossette au menton. Il a été caricaturé avec cette fossette bien visible sous le nom de Spartakis dans la série de bandes dessinées #Astérix (album La Galère d’Obélix), d’après son rôle dans le film #Spartacus.

 

kirk Douglas est décédé le 05 Février 2020.

 

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Kirk Douglas Album

 

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WILD TARGET

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wild target wild target

Victor Maynard (Bill Nighy) is an experienced and efficient assassin living a lonely life in accordance with his family’s business. Victor follows a family line of professional assassins, and he completes his assignments quickly and without remorse.

One afternoon, after killing one of his targets, he hesitates in killing the pet parrot, Roger, and instead takes him as a gift to his mother, Louisa (Eileen Atkins) an intimidating woman who was, until recently, also Victor’s housemate.

In celebration of his 55th birthday, she gives him a leather bound book with newspaper clippings of each of his kills from his first to his most recent, leaving pages for future hits to be included.

She also expresses concern that he might be homosexual, wondering why he hasn’t produced a successor.

Rose (Emily Blunt) is a not-so-average girl with a talent for thievery.

Her most recent theft involves the sale of…

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JEAN-PAUL BELMONDO

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TABBOUCH & Cie

Jean-Paul Belmondo, né le 9 avril 1933 à Neuilly-sur-Seine est un acteur français. Il a également été producteur de cinéma et directeur de théâtre.

Alternant dans les premières années de sa carrière les films populaires et d’Art et Essai avant de pencher nettement pour la première catégorie, il est rapidement devenu l’une des plus grandes vedettes du cinéma français, champion incontesté du box-office au même titre que Louis de Funès et Alain Delon à la même époque.

En cinquante ans de carrière, il a attiré dans les salles près de 130 millions de spectateurs : entre 1969 et 1982, il a joué à quatre reprises dans le film le plus vu de l’année en France (Le Cerveau, Peur sur la ville, L’Animal, L’As des as), égalant le record de Fernandel et n’étant dépassé sur ce point que par Louis de Funès.

belmondo 5 BEBEL

Il a tourné sous la direction de grands…

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JOHN WAYNE La légende

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John WAYNE: Considéré comme l’américain patriote et héroique, 

 

JOHN WAYNE

john wayne john wayne

Marion Mitchell Morrison, dit John Wayne, né le 26 mai 1907 à Winterset dans l’Iowa, aux États-Unis, et mort le 11 juin 1979 àLos Angeles, est un acteur, réalisateur et producteur américain.

S’il a joué dans des films policiers, des films de guerre et quelques comédies romantiques, c’est dans ses nombreux westernsque John Wayne s’est réellement imposé, sous la direction de deux réalisateurs particulièrement : John Ford (La Chevauchée fantastique, Le Massacre de Fort Apache, La Charge héroïque, Rio Grande, La Prisonnière du désert ou encore L’Homme qui tua Liberty Valance) et Howard Hawks (La Rivière rouge, Rio Bravo, El Dorado ou Rio Lobo). Il tourna également plusieurs films avec Henry Hathaway dont Cent…

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Shirley MacLaine

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Shirley MacLaine (born Shirley MacLean Beaty; April 24, 1934)  is an American film, television and theater actress, singer, dancer, activist and author.

An Academy Award winner, MacLaine received the 40th AFI Life Achievement Award from the American Film Institute in 2012, and received the Kennedy Center Honors for her lifetime contributions to American culture through the performing arts in 2013. She is known for her New Age beliefs, and has an interest in spirituality and reincarnation. She has written a series of autobiographical works that describe these beliefs, document her world travels, and describe her Hollywood career.

Shirley Mac Laine Shirley Mac Laine

A six-time Academy Award nominee, MacLaine received a nomination for Best Documentary Feature for The Other Half of the Sky: A China Memoir (1975), and Best Actress nominations for Some Came Running (1958), The Apartment (1960), Irma la Douce (1963), and The Turning Point (1977), before winning Best Actress for…

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JERRY LEWIS

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Jerry Lewis  (born Joseph Levitch; March 16, 1926) is an American actor, comedian, singer, film producer, film director, screenwriter and humanitarian. He is known for his slapstick humor in film, television, stage and radio.

Picture taken during the 60s of US comedian, direc JERRY LEWIS

He and Dean Martin were partners as the hit popular comedy duo of Martin and Lewis. Following that success, he was a solo star in film, nightclubs, television, concerts and musicals. Lewis served as national chairman of the Muscular Dystrophy Association and hosted the live Labor Day broadcast of the Jerry Lewis MDA Telethon for 44 years.

Lewis has received several awards for lifetime achievements from the American Comedy Awards, Los Angeles Film Critics Association, Venice Film Festival, Academy of Motion Picture Arts and Sciences and been honored with two stars on the Hollywood Walk of Fame.

Early life

Lewis was born on March 16, 1926 in Newark, New Jersey to Russian Jewish parents His father, Daniel Levitch (1902–80), was a master of ceremonies

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JOHN WAYNE La légende

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John WAYNE: Considéré comme l’américain patriote et héroique, 

 

 

JOHN WAYNE

john wayne

john wayne

Marion Mitchell Morrison, dit John Wayne, né le 26 mai 1907 à Winterset dans l’Iowa, aux États-Unis, et mort le 11 juin 1979 àLos Angeles, est un acteur, réalisateur et producteur américain.

S’il a joué dans des films policiers, des films de guerre et quelques comédies romantiques, c’est dans ses nombreux westernsque John Wayne s’est réellement imposé, sous la direction de deux réalisateurs particulièrement : John Ford (La Chevauchée fantastique, Le Massacre de Fort Apache, La Charge héroïque, Rio Grande, La Prisonnière du désert ou encore L’Homme qui tua Liberty Valance) et Howard Hawks (La Rivière rouge, Rio Bravo, El Dorado ou Rio Lobo). Il tourna également plusieurs films avec Henry Hathaway dont Cent dollars pour un shérif, qui lui valut en 1970 l’unique Oscar de sa carrière.

En 1960, il passa derrière la caméra pour réaliser une fresque historique d’envergure, Alamo, relatant les derniers jours de Davy Crockett et ses compagnons lors de la guerre d’indépendance du Texas. Huit ans plus tard, il coréalisa Les Bérets verts, film engagé justifiant l’intervention américaine au Viêt Nam. Ses deux réalisations reflètent l’engagement personnel de John Wayne, républicain et ardent patriote

Classé 13e plus grande star de légende par l’American Film Institute en 1999, John Wayne est certainement un des acteurs les plus représentatifs du western, une incarnation à lui seul de l’Amérique conquérante. Surnommé « The Duke » (le Duc), il reste toujours aujourd’hui, grâce à ses films, le symbole d’une certaine virilité. Il interpréta ce rôle d’homme viril, dur, solitaire et un peu machiste tout au long de sa carrière, ce qui lui fit déclarer : « J’ai joué John Wayne dans tous mes films et ça m’a plutôt pas mal réussi ».

Enfance et scolarité

 

Glendale aujourd’hui, où vécut John Wayne de 1916 à 1924.

Né dans une famille modeste et presbytérienne, son père est Clyde Leonard Morrison (1884–1937), d’ascendance irlandaise et écossaise et fils d’un vétéran de la Guerre de Sécession, Marion Mitchell Morrison (1845–1915). Sa mère est Mary Alberta Brown (1885–1970), d’origine irlandaise. En décembre 1912 naquit son frère Robert. Ses parents changèrent alors son identité en Marion Mitchell Morrison (toutefois il a souvent affirmé que son vrai nom aurait été Marion Michael Morrison).

John Wayne

John Wayne

 

Peu après son père eut des lésions aux poumons et fut contraint de « changer d’air » pour sa santé. Il mit en vente sa pharmacie et acheta une maison délabrée près du désert des Mojaves, à Palmdale, et des terres où il décida de faire pousser du maïs. Sa femme et ses enfants vinrent le rejoindre en 1914. « Je crois que c’était une misérable baraque. Ni gaz, ni électricité, ni eau courante. […] Nous étions absolument coupés du monde. » C’est pour aider son père qu’il apprit à se servir d’un fusil et à monter à cheval. « Je suis très à l’aise en selle, mais je ne suis pas amoureux des chevaux. Ils sont seulement utiles dans une ferme ou pour tourner un film. »

Lassée du climat rude et de la pauvreté de la famille, Mary Morrison poussa son mari à tout vendre. Ils partirent à Glendale, faubourg de Los Angeles, en 1916, où le père trouva un emploi dans une pharmacie5. Ils déménagèrent régulièrement, s’installant à chaque fois dans une maison plus petite. Marion devint vite un bon élève, lisant beaucoup à la bibliothèque municipale. À douze ans, il enchaîna, en parallèle des cours, des petits boulots  : livreur de journaux, livreur, ouvreur du cinéma Palace.

Son premier vrai souvenir d’un film est probablement Les Quatre Cavaliers de l’Apocalypse avec Rudolph Valentino6. Grâce à son job d’ouvreur, il pouvait accéder à un très grand nombre de films, dont des westerns avec Harry Carey ou des films d’aventures avec Douglas Fairbanks. Il se lia d’amitié avec Bob Steele, future star de westerns des années 1920. C’est aussi dès cette époque que Marion fut surnommé « Big Duke » en référence à son chien, « Little Duke », qu’il emmenait partout avec lui. Au collège, il appartenait aux clubs sportifs et culturels, et fit du théâtre, non comme acteur, mais comme accessoiriste. Ses rares performances d’acteur ne furent pas convaincantes, trop pétrifié qu’il était par le trac

Sportif et accessoiriste

En 1924, l’Université de Californie du Sud décida de recruter les meilleurs éléments des clubs alentours pour sa propre équipe de football, les Trojans, dont Marion Morrison. Pouvant faire ses études gratuitement grâce à une bourse sportive, il fut aussi initié à une fraternité, Sigma Chi8. Il rencontra peu après la vedette Tom Mix, qui assistait à tous les matchs de l’équipe. Appréciant la carrure du jeune homme, il lui offrit un rôle dans un film qu’il devait tourner quelques mois après.

Entre-temps, lors d’un weekend à Balboa, il fut victime d’un accident de bodysurf : il se déchira un muscle de l’épaule après une chute qui le fit entrer en contact avec le fond, tenta vainement quelque temps de continuer le football mais fut évincé de l’équipe, avec toutefois un diplôme de la Fédération de football. Il n’y joua plus jamais. L’été au studio, la star méprisa le jeune Morrison, qui fut toutefois engagé, mais comme accessoiriste.

 
La rencontre avec John Ford fut décisive pour la carrière de John Wayne, même si c’est Raoul Walshqui lui confia son premier grand rôle
 
.
 

Après une figuration sur le film The drop Kick, il fut appelé sur le tournage de Maman de mon cœur, dirigé par John Ford, réalisateur déjà respecté à Hollywood. Celui-ci décida un jour de provoquer gentiment le jeune footballeur Morrison en le faisant se mettre en position, puis en lui faisant mordre la poussière. La pareille que lui rendit aussitôt le jeune homme le fit grimper dans l’estime du réalisateur.

JOHN FORD

JOHN FORD

JOHN WAYNE

john wayne

Il l’embaucha d’ailleurs comme acteur sur son film suivant, La Maison du bourreau, dans un petit rôle de paysan condamné par un juge. John Ford le fit d’abord renvoyer à cause de son comportement (il fut pris d’un fou rire), puis le rappela et tourna la scène.

À partir de 1928, il décida de ne plus aller à l’université. N’ayant plus la bourse accordée grâce à l’équipe de football, il ne pouvait s’offrir les cours. Il retourna à la Fox et devint accessoiriste pendant trois années. « J’ai été menuisier, manœuvre, électricien, charpentier, peintre et tapissier. J’ai tout fait, je connais tous les problèmes du métier et les trucs pour les résoudre. » Il travailla alors de nouveau avec John Ford et d’autres réalisateurs, et fit un peu de figuration, notamment dans Words and music, Rough Romance ou Cheer up and smile. Dans Salute, il se confronta pour une des premières fois à un autre étudiant-footballeur voulant participer au film de Ford, Wardell Bond. Dans Hommes sans femmes il fut engagé comme cascadeur, mais payé au tarif d’un accessoiriste

JW young

JW young

Le faux départ

Le cinéma parlant avait rendu difficile la réalisation de westerns. Le réalisateur Raoul Walsh prouva le contraire en coréalisant In Old Arizona qui fut un gros succès. La Fox voulut alors lui confier la réalisation d’un grand western, au budget d’un million de dollars. Des acteurs de théâtre furent engagés  : Tyrone Power et Ian Keith. Pour le rôle principal, le choix s’orienta vers Gary Cooper, mais celui-ci était indisponible car sous contrat avecSamuel Goldwyn. Walsh remarqua alors par hasard cet accessoiriste qui déchargeait un camion, Duke Morrison, puis décida de lui faire faire un bout d’essai. Le producteur délégué et le réalisateur décidèrent juste après de lui faire changer de nom. Par admiration pour le général Anthony Wayne, on lui trouva un nom. Et tout bêtement parce que « John » faisait Américain et simple, on lui donna ce prénom. Ainsi Duke Morrison devint John Wayne, sans même avoir été consulté.

Le tournage de La Piste des géants commença à Yuma. Wayne fut victime d’une dysenterie qui l’obligea à un régime et lui fit perdre trois semaines de tournage. Le film fut tourné en70 mm, près de vingt ans avant le CinemaScope. La première mondiale eut lieu le 24 octobre 1930 dans un grand cinéma de Hollywood et la société de production fit faire à sa nouvelle vedette une promotion mensongère, lui inventant une nouvelle biographie.

Le film fut un échec notoire et la conséquence pour John Wayne fut de redevenir un acteur inconnu, sous contrat, à 75 dollars la semaine. De plus, il se fâcha quelque temps avec John Ford

Les années 1930 : entre échecs et nouveau départ

Un acteur de séries B

Duke fut engagé en 1930 pour tourner Girls demand excitement, une comédie musicale dirigée par un chorégraphe de New York parfaitement inexpérimenté, avec Virginia Cherrill. Puis avec Loretta Young, ce fut Three girls lost. Présenté le 1er mai 1931, le film fut résumé par un critique par : « Tout cela est assez idiot ! » La Fox ne renouvela pas le contrat de John Wayne, qui fut embauché par Harry Cohn, grand patron de la Columbia, qui lui fit tourner un autre film sans intérêt, Men are like that. Ces films permirent toutefois à Wayne de se faire un public. Mais une brouille avec Cohn lui fit perdre son statut de vedette, et il devint un second rôle, au profit de Tim McCoy notamment. Il n’oublia jamais cette offense et, devenu une grande vedette, refusa toujours de tourner pour la Columbia.

La mode était aux films d’aviation. John Wayne, qui venait de prendre un agent, Al Kingston, tourna L’ombre d’un aigle. C’est sur ce tournage qu’il rencontra Yakima Canutt, qui allait devenir l’un des cascadeurs les plus connus du cinéma américain. Il enchaîna avec Hurricane express où il interprétait un aviateur décidé à venger son père, tué dans un accident de chemin de fer. Le 24 juin 1933, il se maria enfin à celle qu’il aimait depuis des années, Josie (Josephine Saenz).

cette dernière lui permit d’obtenir un petit rôle, celui d’un boxeur, dans La Vie de Jimmy Dolan avec Douglas Fairbanks. Al Kingston arrangea ensuite un entretien avec Trem Carr et Leo Ostrow qui venaient de fonder la sociétéMonogram Pictures et Duke se vit offrir un contrat de huit westerns par an, payés 2500 $. Il tourna la même année Les Cavaliers du destin où il fut un cow-boy chantant. Exaspéré par cette expérience humiliante, il déclara plus tard que sa chansonnette en play-back lui donnait l’impression « d’être une foutue pédale. » Pourtant cette époque laissa à Wayne de bons souvenirs, il déclara plus tard  : « D’avril à septembre on travaillait comme des dingues pour fournir de la pellicule aux petites salles qui achetaient la production en bloc et d’avance. Puis, à la fin de l’été, je filais chasser la palombe. Ensuite c’était la saison des oies sauvages et des canards. […] Oui c’était le bon temps

LORETTA YOUNG

LORETTA YOUNG

De nouvelles expériences navrantes

Marié et à présent père, John Wayne refusa un nouveau contrat de 24 000 $ proposé par Herbert J. Yates pour Monogram Pictures, las de vivre loin de sa famille et de ses enfants. Il s’essaya sans succès à la gestion d’une agence immobilière. Puis, sous le nom de Duke Morrison, devint boxeur et fit quelques combats dans le Nevada19. Encore une fois, sans grand succès. Résolu à revenir au cinéma, il tenta de se faire remarquer par Cecil B. DeMille,

cecil_b_de_mille

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en vain. Son ami Paul Fix lui proposa alors une pièce de théâtre, Red Sky At Evening, avecSally Blane. D’abord enthousiasmé, il déchanta assez vite, se rappelant ses expériences navrantes de jeunesse. La seule et unique représentation fut un désastre  : ayant vidé une bouteille de whisky pour se donner du courage, Wayne entra sur scène ivre, oubliant ses répliques et demandant : « Où suis-je? »

Il reprit alors le chemin des studios et tourna pour Universal quelques films où il abandonnait son personnage de cow-boy. Entre 1936 et 1937, il tourna ainsi Les Pirates de la mer, Conflic où il joua un boxeur, I Cover de war dans le rôle d’un reporter, et L’idole de la foule. Produits à coûts réduits, ces films furent des échecs cuisants. Son public fidèle ne voulait de John Wayne qu’il ne fût qu’un cow-boy, sachant se battre et manier son pistolet. Il revint alors vers Herbert J. Yates et tourna d’autres films médiocres, dont certains ne sortirent qu’une fois John Wayne devenu une star.

« Sauvé » par John Ford

À l’été 1937, John Ford invita Wayne à bord de son bateau, l’Araner, et lui donna à lire un scénario de Dudley Nichols, La Chevauchée fantastique, pour avoir son avis quant à l’acteur qui pourrait endosser le premier rôle. Vexé, il proposa néanmoins Lloyd Nolan. Ce n’est que le lendemain que Ford lui demanda : « Idiot, tu penses que tu ne pourrais pas le jouer le rôle ? » Mais les producteurs envisageaient plutôt des vedettes confirmées  : Gary Cooper et Marlène Dietrich.

Le réalisateur réussit finalement à imposer Wayne et Claire Trevor, ainsi que d’autres acteurs expérimentés, tels que Thomas Mitchell ou George Bancroft.

Le film fut tourné d’octobre à décembre 1938, avec un budget modeste. Quelques scènes furent filmées à Monument Valley, le reste en Californie. Yakima Canutt doubla John Wayne, notamment lors de la grande attaque de la diligence. Ce dernier fut tout au long du tournage tyrannisé par le réalisateur, Ford le reprenant sans cesse sur sa façon de marcher, de jouer, de parler. « Je l’aurais tué. Il me mettait en rage. Mais Ford savait ce qu’il faisait. Il savait que j’avais honte d’être un cow-boy de westerns de séries B et de me retrouver là, en compagnie de ces grandes vedettes. » Ford offrit à son acteur vedette l’une des « plus belles entrées de star de l’histoire du cinéma », avec son fameux mouvement de caméra laissant apparaître Ringo Kid, une selle dans une main, un fusil dans l’autre.

GARY COOPER

GARY COOPER

La Chevauchée fantastique fut un succès public et reçut sept nominations aux Oscar du cinéma. Les conséquences furent nombreuses  : le western comme genre de cinéma fut réhabilité (le critique Frank S. Nugent écrivit  : « Dans un grand geste superbe, John Ford a balayé dix ans d’artifice et de compromis et a réalisé un film qui fait chanter la caméra ») et John Wayne sortit enfin de l’impasse dans laquelle il se trouvait depuis le début des années 1930.

1940-1951 : L’affirmation d’un héros de cinéma américain

Des retrouvailles professionnelles

 John Wayne dans Les Naufrageurs des mers du sud, de Cecil B. DeMille, en 1942.

Le succès international de La Chevauchée fantastique fit de John Wayne une star, auprès du public et des réalisateurs. Son salaire fut multiplié par trois, puis par onze en 1946, et il devint alors un des acteurs les plus chers avec Gary Cooper ou Clark Gable. Il retrouva le réalisateur Raoul Walsh en 1940 pour un western sur fond de guerre civile, L’Escadron noir, avec Claire Trevor. La même année, il fut engagé pour incarner un Américain accueillant des réfugiés allemands fuyant le régime nazi dans Les Déracinés, et retrouva John Ford pour Les Hommes de la mer. Tourné rapidement et pour un coût relativement modeste, le film ne fut pas un succès public. De plus, Wayne n’était toujours pas pris au sérieux par le réalisateur qui ne le pensait pas capable de jouer des rôles plus complexes. Il tourna un dernier film cette année 1940, La Maison des sept péchés, première collaboration avec Marlène Dietrich, avec qui il s’entendit à merveille33.

PAULETTE GODARD

 

Il fut contacté par le réalisateur Cecil B. DeMille. Wayne, qui n’avait pas oublié sa première rencontre infructueuse avec lui, refusa de jouer dans son film, en lui adressant une longue notice visant à modifier le scénario. DeMille le rappela, John Wayne se fit prier et, après plusieurs discussions, DeMille obtint que John Wayne tournât dans Les Naufrageurs des mers du sud, en compagnie de Ray Milland et Paulette Goddard,

PAULETTE GODARD

PAULETTE GODARD

l’histoire d’un pilleur d’épaves dans les Caraïbes. Le tournage fut agréable, l’entente parfaite, ce qui fit déclarer à Wayne  : « Après avoir tourné avec lui, j’ai pu garder la tête haute, en dépit des films dégueulasses que je devais faire pour Republic. » L’année 1942 vit également Lady for a Night, de Leigh Jason avec Joan Blondell pour partenaire.

Après l’entrée en guerre des États-Unis, John Wayne voulut s’engager pour partir combattre en Europe. Mais, marié et père de quatre enfants, sa demande fut rejetée à plusieurs reprises. Sa participation se réduisit alors à des visites dans des camps. Il déclara plus tard  : « J’ai toujours eu honte de ne pas avoir combattu. Lorsque j’interprète un officier à la tête de son commando, j’ai une piètre opinion de moi-même. »

Patriote et soldat au cinéma

JULES DASSIN (qui est aussi le père de Joe Dassin )

Il retrouva Marlène Dietrich en 1942 dans une nouvelle adaptation du roman de Rex Beach, Les Écumeurs, avec un jeune premier, Randolph Scott, puis dans La Fièvre de l’or noir, qui connut un accueil chaleureux de la part du public. Wayne incarna également un pilote de l’armée américaine combattant les Japonais dans Les Tigres volants, film de propagande réalisé par David Miller. Sacramento, un nouveau western, fut choisi par John Wayne car il devait incarner un pharmacien, une manière de rendre hommage à son père décédé en 1938.

Les années suivantes, John Wayne tourna une série de films de guerre  : Quelque part en France de Jules Dassin

JULES DASSIN (qui est aussi le père de Joe Dassin )

JULES DASSIN (qui est aussi le père de Joe Dassin )

où il incarna un pilote réfugié en Normandie, puis Alerte aux marines. Aux côtés d’ Anthony Quinn, il incarna un colonel américain luttant avec les résistants philippins dans Retour aux Philippines. Républicain et patriote, Wayne critiqua par la suite le travail du réalisateur Edward Dmytryk, qui fut lié au parti communiste et figura sur la liste des Dix d’Hollywood, ainsi que le scénario. Il retrouva ensuite John Ford pour Les Sacrifiés – qui se déroule pendant la guerre du Pacifique – aux côtés d’un jeune acteur, Robert Montgomery. Le film rapporta de l’argent et se classa parmi les vingt plus gros succès de l’année.

Entre temps, John Wayne revint au western dans L’Amazone aux yeux verts, revenant sur sa déclaration de ne plus jamais en tourner. Scénarisé et interprété par son ami Paul Fix, le film imposa durablement l’image virile, nonchalante et misogyne de son personnage.

En revanche, King Vidor ne peut le diriger avec Hedy Lamarr dans Duel au soleil (1946), western lyrique et exacerbé finalement interprété par Gregory Peck et Jennifer Jones et devenu un classique. Il enchaîna par la suite quelques films passés inaperçus, La Femme du pionnier, Sans réserve avec Claudette Colbert et L’Ange et le mauvais garçon. Pour faire « rentrer l’argent », il tourna également Taïkoun, de nouveau avec Anthony Quinn. En 1948, John Wayne, devenu une vedette importante, faisait partie des acteurs préférés du public américain, avec Clark Gable, Gary Cooper et Humphrey Bogart.

Hawks, la Cavalerie et le Pacifique

En 1947, John Ford tourna le premier volet d’une trilogie consacrée à la cavalerie américaine, Le Massacre de Fort Apache avec pour vedettesHenry Fonda et John Wayne dans un rôle d’officier « humain et pacifiste ». Tourné à Monument Valley pour un budget modeste, le film réunit également Ward Bond et Victor McLaglen. John Wayne, habitué aux humeurs du réalisateur, fut un soutien psychologique précieux pour le jeune John Agar, martyrisé par Ford48. L’accueil public fut chaleureux. Il enchaina avec un rôle de nouveau refusé par Gary Cooper, celui de Tom Dunson dans La Rivière rouge de Howard Hawks qui signait là son premier western. Dans un rôle de cow-boy dur et brutal, Wayne eut pour partenaire Montgomery Clift avec qui il ne s’entendit pas immédiatement. Ce film tourné en extérieurs fut également un grand succès, rapportant plus de dix millions de dollars. Et s’il ne fut pas récompensé, John Wayne impressionna John Ford qui déclara par la suite àHawks : « Je ne savais pas que ce grand fils de pute pouvait jouer ».

OLIVER HARDY

 

En 1948, il engagea à nouveau John Wayne pour Le fils du désert, film en technicolor avec Harry Carey Jr., tourné dans la vallée de la Mort. Wayne tourna ensuite deux films, Le Réveil de la sorcière rouge avec Gail Russell et Le Bagarreur du Kentucky avec Oliver Hardy,

Oliver Hardy

Oliver Hardy

western sans moyens. Deuxième épisode de la trilogie de la cavalerie de Ford, La Charge héroïque fut tourné en 1949 à Monument Valley et remporta un grand succès. L’année suivante, Rio Grande, suite du Massacre de Fort Apache, le mit en scène aux côtés de Maureen O’Haraqui devint une partenaire fidèle en même temps qu’une grande amie.

John Wayne enfila de nouveau l’uniforme de l’armée américaine dans trois films : Iwo Jima de Allan Dwan, pour lequel il fut nommé aux Oscars56, Opération dans le Pacifique puis Les Diables de Guadalcanal de Nicholas Ray (qui désavoua le film par la suite, au même titre que Wayne qui le considérait comme une œuvre mineure), clôturant ainsi sa série de films en hommage aux combattants de la guerre du Pacifique.

1952-1959 : Une incarnation de l’Amérique à l’écran, un héros aux multiples visages

En 1952, John Wayne tourna à nouveau avec Maureen O’Hara et John Ford. Si Ford ne peut engager le couple d’acteurs pour son adaptation de What Price Glory (qu’ils ont joué sous sa direction sur scène), ils se consolent largement avec L’Homme tranquille, tourné en Irlande (terre des ancêtres du réalisateur), pour un cachet dérisoire. Le film, qui racontait le retour d’un boxeur américain dans son pays d’origine, fut un gros succès commercial dans le monde entier et remporta l’Oscar du Meilleur Film. Big Jim McLain, réalisé la même année parEdward Ludwig le mettait dans la peau d’un enquêteur de la Commission sur les activités anti-américaines au service du sénateur McCarthy. L’Homme de bonne volonté, réalisé en 1953 par Michael Curtiz ne remporta pas le succès espéré et orienta de nouveau John Wayne vers des films héroïques. Sous la direction de William Wellman, il tourna Aventure dans le Grand Nord, qu’il coproduisit, et refusa un rôle principal dans Géant (qui fut interprété par Rock Hudson). Également coproducteur de Hondo, l’homme du désert, il fut obligé de reprendre le rôle titre, la star du film Glenn Ford étant en désaccord avec le réalisateur, puis retrouva l’équipe de Aventure dans le Grand Nord pour un nouveau film catastrophe, Écrit dans le ciel. Le film fut un grand succès public, nommé aux Oscars (seule la musique de Dimitri Tiomkin reçut la récompense). Sa collaboration avec Lana Turner pour Le Renard des océans fut houleuse, mais il s’entendit à merveille avec Lauren Bacall sur le tournage de L’Allée sanglante, qui fut un succès immédiat.

 La Prisonnière du désert a été désigné plus grand western de tous les temps par l’American Film Institute.

Le tournage du Conquérant en 1956 fut éprouvant65. Produit par Howard Hughes et réalisé par Dick Powell, il mettait en scène John Wayne dans le rôle … du chef asiatique Gengis Khan, avec Susan Hayward pour partenaire.

 

Tourné près d’un site d’essais nucléaires, il fut probablement à l’origine du cancer de l’acteur (et d’une grande partie de l’équipe du film). En outre, il fut un lourd échec au box-office. La même année, Wayne tourna un nouveau western sous la direction de John Ford, La Prisonnière du désert. Tourné sur deux saisons (l’hiver et l’été), à Monument Valley notamment, le film permit à John Wayne de créer un personnage sombre et violent. Le film fut un énorme succès à sa sortie et plusieurs critiques louèrent le travail du réalisateur. En outre, il est aujourd’hui considéré par l’American Film Institute comme le plus grand western de tous les temps.

 

En 1957, de nouveau avec Ford, il tourna L’aigle vole au soleil, un film de guerre adapté de la biographie du héros Frank Wead, avant d’enchainer avec un film d’espionnage, Les espions s’amusent. Mise en scène par Joseph von Sternberg, avec l’actrice Janet Leigh, cette comédie d’espionnage était considérée par John Wayne comme son plus mauvais film. L’année suivante, il forma un couple à l’écran avec Sophia Loren dans La Cité disparue, tourné en partie en Italie par Henry Hathaway, puis entama le tournage du Barbare et la Geisha, sous la direction de John Huston. Les relations furent souvent tendues entre les deux hommes, et le film fut un échec. Wayne fut engagé de nouveau par Howard Hawks pour jouer dans Rio Bravo, aux côtés de Dean Martin et Rick Nelson. Construit comme l’opposition scénaristique du Train sifflera trois fois, le film fut un gros succès populaire et critique. Son nouveau projet avec John Ford et William Holden, Les Cavaliers, fut difficile : le scénario était complexe, le réalisateur vieillissait, des tensions intervinrent entre les sociétés de production et un cascadeur se tua sur le tournage.

susan hayward

susan hayward

1960-1976 : La fin du géant

John Wayne réalise en 1960 Alamo, qui fut une très belle fresque historique. Néanmoins le scénariste de ce film se permit quelques libertés par rapport aux causes et au déroulement de la bataille. En réalisant ce film, John Wayne souhaitait montrer l’abnégation des hommes à défendre une cause qui leur semble juste, telle la république ou la liberté. L’acteur reste fidèle à ce genre et retrouve à plusieurs reprises Henry Hathaway (1960 : Le Grand Sam avec Stewart Granger, 1965 : Les Quatre Fils de Katie Elder avec Dean Martin, 1969 : Cent dollars pour un shérif), Howard Hawks (1966 : El Dorado avec Robert Mitchum, 1970 : Rio Lobo avec Jennifer O’Neill), et bien sûr Ford pour L’Homme qui tua Liberty Valance (1962) face àJames Stewart, plus tard tournant beaucoup avec Andrew V. McLaglen (1963 : Le Grand McLintock qui réunit Wayne avec Maureen O’Hara et Yvonne De Carlo, 1969 : Les Géants de l’Ouest face à Rock Hudson, 1970 : Chisum, 1973 : Les Cordes de la potence).

 

La star continue de privilégier le film d’aventure  : exotique (en 1962 Hatari ! de Hawks), de guerre (en 1962 Le Jour le plus long, en 1965 Première Victoire d’Otto Preminger avec Kirk Douglas, en 1966 L’Ombre d’un géant avec Yul Brynner et Frank Sinatra). Il participe aux superproductions Le Plus Grand Cirque du monde d’Hathaway (1964) avec Rita Hayworth

Rita Hayworth

Rita Hayworth

etClaudia Cardinale et La Plus Grande Histoire jamais contée de George Stevens (1965) où il incarne le centurion de la Crucifixion. Finalement il ne se détend vraiment à l’écran que chez Ford, dans La Taverne de l’Irlandais (1963).

Lui-même revient à la mise en scène en 1968 pour le très polémique Les Bérets verts. L’essentiel est ailleurs : miné par la maladie mais toujours très actif, ce grand séducteur de l’écran s’offre un dernier tour avec sa partenaire favorite, Maureen O’Hara, dans Big Jake en 1971 (que Wayne coréalise), et un duel avec une autre géante, Katharine Hepburn, dans le western humoristique Une bible et un fusil (1975). Sur le tard, il tourne deux policiers : Un silencieux au bout du canon de John Sturges (1974) et Brannigan (1975). L’année de sa mort, sa carrière se clôt sur un western au titre mythique : Le Dernier des géants, dirigé par Don Siegel, où John retrouve James Stewart et Lauren Bacall. Une époque disparaît.

En 1964, on diagnostique chez Wayne un cancer du poumon. Des rumeurs affirment que le responsable de ce cancer était le site nucléaire de Yucca Flat, proche du plateau de cinéma lors du tournage du film Le Conquérant. Patriote, John Wayne pensait que les six paquets de cigarettes qu’il fumait par jour en étaient la cause.

 John Wayne dans Rio Bravo

Toujours présent à l’écran dans des premiers rôles malgré la maladie jusqu’en 1976, il décède finalement d’un cancer de l’estomac le 11 juin 1979. D’après son fils Patrick, il se convertit au catholicisme peu avant sa mort . Il est enterré au cimetière de Pacific View à Corona del Mar.

Engagement politique

John Wayne était connu pour ses opinions patriotiques, anti-communistes et conservatrices. Star du parti républicain, il s’impliqua dans la création de la Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, une association américaine de cinéma conservatrice. S’il n’a pas été incorporé pendant la Seconde Guerre mondiale pour des raisons familiales, il a toujours soutenu l’effort de guerre américain  : il incarnera toutes les catégories de soldats américains et cosigne, en 1968, avec Les Bérets verts le seul film américain ouvertement pro-guerre du Vietnam.

En 1964, il soutient encore la candidature de Barry Goldwater à la présidence des États-Unis et, en 1968, est approché pour être lui-même le candidat du parti républicain. Il déclina la proposition au prétexte qu’il ne pensait pas que le public pourrait envoyer un acteur à la Maison-Blanche. Il fut même approché pour être le colistier du candidat dixiecrat George Wallace. Il ne donna pas suite. John Wayne fut cependant un ardent soutien de son ami, l’acteur Ronald Reagan, lors de ses candidatures au poste de gouverneur de Californie en 1966 et 1970.

Famille

Il est le père de Michael Wayne (1934–2003), acteur et producteur, et de Patrick Wayne (né en 1939), acteur.

Décoration

Le Congrès américain lui décerne le 26 mai 1979 la Médaille d’or du Congrès (plus haute distinction civile qui puisse être accordée à un citoyen). Événement exceptionnel car cette décoration ne fut décernée que deux fois à des acteurs du cinéma, John Wayne et Francis Albert Sinatra, dit Frank Sinatra, le 14 mai 1997.

John Wayne the legend

John Wayne the legend

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